Si la fotografía infrarroja y el aspecto de sus imágenes te es ajeno échale un vistazo a Internet para descubrir que hay miles y miles de imágenes tomadas con esta técnica bien en blanco y negro bien en color y que transmiten un cierto aire de irrealidad o ensoñación incluso cuando plasman las escenas más comunes.

Si ya lo has hecho y te tienta abordar la experiencia de captar tu mismo imágenes infrarrojas pues entonces quizás sea el momento de recurrir a Fotografía infrarroja, fundamentos y secretos un esclarecedor libro de Ginés Guirao, publicado por Marcombo a través del que el autor nos introduce en los fundamentos técnicos necesarios para poder captar imágenes infrarrojas tanto digitales como analógicas. 

Después de un largo recorrido fotográfico y de haberse iniciado en la fotografía HDR hace ya tiempo, Ginés Guirao decidió empezar su camino en la captación de imágenes infrarrojas. Fueron varios años de aprendizaje y el conocimiento derivado de ellos se plasma en este libro que es un utilísimo manual práctico que, en apenas 200 páginas, introduce todos los conceptos y explica todas las técnicas que es necesario conocer para realizar fotografía infrarroja.

Para que el manual esté a la altura de cualquier nivel de conocimiento sobre la fotografía el autor comienza por hacer una pequeña historia de la fotografía y los formatos de imagen así como a explicar conceptos relacionados con el material óptico y las cámaras.

A partir de ahí, el autor ya se siente libre de entrar en la materia infrarroja y lo hace sistemáticamente y paso a paso. Habla sobre las lentes, las fuentes de luz, las cámaras fotográficas… y el lógico discurrir le lleva finalmente a escribir sobre la relación de la fotografía infrarroja con distintos tipos de sujetos como la vegetación, las personas, los cielos con y sin nubes, los edificios y monumentos, etcétera.

Como no podía ser de otra manera para tener un manual que aportara una visión integral de la práctica de la fotografía infrarroja, el libro termina con un capítulo dedicado a la edición de las imágenes infrarrojas en Photoshop explicado paso a paso.

Tal como afirma Ginés Guirao en la introducción del libro hacer fotografía infrarroja no es difícil pero a esa afirmación optimista y alentadora habría que matizarla con la advertencia de que si nos decidimos a desbrozar ese camino necesitaremos dotarnos de materiales  específicos. Estamos hablando de cámaras adaptadas, filtros IR, película especializada si trabajamos en analógico, objetivos adecuados para el espectro infrarrojo…  en fin, una lista más o menos larga de requerimientos técnicos  que el autor de Fotografía infrarroja fundamentos y secretos detalla con precisión para facilitar el acceso de cualquier interesado a esta interesante especialidad fotográfica. 

El libro puede adquirirse en este enlace: Fotografía infrarroja, fundamentos y secretos

Héctor G. Barnés  nos ofrece un repaso a la historia de esta celebración, desmintiendo mitos y revisando creencias equivocadas para entender un poco mejor su carácter heterodoxo.

Uno de los comentarios más habituales que se escuchan en estas fechas es que la Navidad no es lo que era. Proferido, sobre todo, por personas que superan los 30, revela una doble realidad: que se trata de una celebración idónea para niños –y dolorosa para muchos adultos–, pero también que la realidad social española, mucho menos determinada por las ideas religiosas como ocurrió durante el franquismo y su resaca y más por el consumismo, ha provocado la pérdida de cierto espíritu navideño.

Se trata de una simple perturbación en el largo río del tiempo. Pocas celebraciones han evolucionado tanto como la Navidad durante los últimos 20 siglos, incorporando tradiciones de otros orígenes (especialmente, paganos), y conociendo variantes en cada una de las regiones europeas. ¿Cómo podemos guiarnos en la compleja red de significantes, historias y luchas de poder que han terminado configurando las fiestas navideñas tal y como las conocemos? Una buena guía probablemente sea 'La Navidad a través del tiempo', un simposio de Estrella Rodríguez Gallar recogido en 'La Natividad: arte, religiosidad y tradiciones populares¡ y a través del cual nos sumergimos en la historia de estos festejos.

25 de diciembre, ¿fun fun fun?

¿En qué momento comenzó a celebrarse la Navidad? Obviamente, no justo después de la muerte de Cristo. Los cuatro primeros siglos de la era cristiana presenciaron una lucha continua por dar a conocer una doctrina que terminaría siendo aceptada en el s. IV. En el Edicto de Milán de 313, el monoteísmo empieza a igualarse con el paganismo tradicional, pero fue alrededor de medio siglo después, en el 350, cuando el papa Julio I pidió que el nacimiento de Cristo fuese celebrado el 25 de diciembre, algo finalmente decretado por el papa Liberio.

Resultaba mucho más sencillo cristianizar estas festividades milenarias paganas que hacerlas olvidar radicalmente y sustituirlas por otras.

¿Por qué ese día? No se trata de una fecha histórica, sino más bien, de la evolución de uno de los días señeros del calendario pagano. Como recuerda Gallar, “la Iglesia eligió estratégicamente una serie de fechas para celebrar las fiestas navideñas, consciente de la importancia que ya revestían los citados días para la religión pagana, por lo que resultaba mucho más sencillo cristianizar estas festividades milenarias que hacerlas olvidar radicalmente y sustituirlas por otras”. 

El origen de la Navidad se ha citado tradicionalmente en las Saturnales, las fiestas en honor a Saturno que se celebraban en Roma entre el 17 y el 23 de diciembre, celebrando que los días comenzaban a alargarse. Sin embargo, quizá tuviese una importancia aún mayor la fiesta del 'Sol Invictus', instituida por Aureliano en 274 y convertida en fiesta suprema por Constantino. La autora afirma que este culto mitraísta (una religión de origen mistérico) constituyó “un 'puente' tendido entre el paganismo y el cristianismo”.

El 25 de diciembre es una de las fiestas simbólicamente más potentes de todo el calendario, cristiano y no cristiano. Hay dos hipótesis que intentan explicar la adopción de esta fecha: si Jesucristo nació el 25 de diciembre, tuvo que haber sido concebido por el Espíritu Santo a finales de marzo, es decir, coincidiendo con el inicio de la primavera y el ciclo de renovación asociado a ella; también es posible que fuese una mera influencia de las solemnidades paganas, como ya hemos explicado. “En los siglos III y IV, la Iglesia se encuentra en plena competencia con el paganismo”, recuerda Gallar. Era, por lo tanto, mucho más fácil adaptar que eliminar. 

También es muy probable que Jesucristo no naciese en el año cero. Este cálculo fue estimado por Dionisio el Exiguo, pero estudios posteriores que tuvieron en cuenta el evangelio de Lucas han señalado que muy probablemente naciese el 749 desde la fundación de Roma, cuatro años antes de lo calculado. En otras palabras, en el año 3 después de Cristo, probablemente este no había nacido.

La Edad Media, una era clave

La mayor parte de tradiciones religiosas que llegan hasta nuestros días nacieron o se desarrollaron en este larguísimo período que se extendió entre la caída del Imperio romano de Occidente en el 476 y el siglo XV, con el descubrimiento de América y la caída del Imperio bizantino. “Entre las aportaciones del Medioevo a la liturgia navideña destaca su serena grandiosidad”, explica la autora.

La alegría desbordada daba lugar a que la fiesta terminase en mofas por parte de los pastores y del propio pueblo hacia San José

Poco a poco, los siglos fueron dando forma a la Navidad tal y como la conocemos: el Adviento, ese período de entre tres y seis semanas acompañado por “meditaciones, predicaciones, oraciones y penitencias” se generalizó entre los siglos IV y VI y prolongó las festividades más allá de la propia Navidad. Esta comenzó a celebrarse en catedrales donde se leían textos como las Profecías de Isaías o el Evangelio de San Juan. Es en este período cuando nacen las misas de Nochebuena, que podían llegar a ser tres: la primera de ellas, la del Gallo, es la más famosa, y debe su simbología al animal que primero anunció el nacimiento de Jesús.

El recogimiento, en esos años, empezó a compaginarse con la algarabía, marcada por el momento de adoración al Niño, momento en el que probablemente nacieron los primeros villancicos. Tanto fue así que Inocencio III llegó a prohibir en 1207 las escenificaciones del Belén dentro de las iglesias, porque “la alegría desbordada daba lugar a abusos y a que la fiesta saliese de los cauces de lo religioso, terminando entre otras cosas en mofas por parte de los pastores y del propio pueblo hacia la persona de San José”.

Belenes y Reyes

El origen del Nacimiento que hoy en día se construye en multitud de hogares, ayuntamientos y establecimientos se encuentra en el pesebre, “símbolo pagano de vida y renacimiento natural” que cobró importancia a partir del siglo VII, cuando Teodoro I depositó los restos del pesebre original en Santa María la Mayor (Roma). Desde el pesebre se pasó a la reinterpretación dramática del Nacimiento, como muestra la primera obra dramática española, el 'Auto de los Reyes Magos', del siglo XIII.

La historia atribuye a San Francisco de Asís haber alumbrado el primer belén de historia, con milagro incluido: aunque el resto de intérpretes eran campesinos y animales de la zona, el Niño era tan solo una imagen que cobró forma humana cuando el santo lo cogió entre sus brazos. Otros ejemplos tempranos son el del monasterio alemán de Füssen (1252) y la catedral de Florencia (1289). El belén fue popularizado por franciscanos y clarisas hasta que en el siglo XV adoptó la forma que conocemos hoy en día al hacerse exentas las figuras.El mazapán pudo nacer durante un asedio en Toledo para aprovechar la gran cantidad de almendras almacenadas

Mucho se ha escrito sobre los Reyes Magos, una de las figuras más abiertas a discusión de la cosmogonía cristiana, entre otras cosas, por la poca información que de ellos se da en el único Evangelio que los nombra, el de San Mateo. En lo que parecen coincidir todas las visiones es que son la muestra de que “el mensaje salvador de Cristo se dio para todos los hombres y no solo para los judíos”. De ahí que terminasen concretándose en tres reyes –se llegaron a representar por docenas– que representaban “las tres razas conocidas a fines de la Edad Media”. Es decir, “los europeos representados por Melchor, los asiáticos por Gaspar y los africanos por Baltasar”.

El mazapán pudo nacer durante un asedio en Toledo para aprovechar la gran cantidad de almendras almacenadas

Fueron el gran éxito de público de la Edad Media, como muestra la amplísima cantidad de obras artísticas cuyo tema es la Adoración de los Magos. Gran parte de culpa la tuvo el clero de Milán que, en palabras de la autora, “deseoso seguramente de prestigiar su diócesis, anunció solemnemente que poseía las reliquias”.

El festín de Nochebuena

No hace falta ser un genio para sospechar que nuestros antepasados no regaban la cena navideña con cava catalán ni solían comprar el marisco con un mes de antelación para almacenarlo en el congelador. Como siempre, el contenido del menú era una cuestión de clases, por lo que la mayor parte de europeos se alimentaban de “pan, hortalizas, verduras, legumbres secas, carne de cerdo, queso, leche, cerveza y vino” mientras que los nobles probablemente sí podían acceder a miel, caza, cordero y, de vez en cuando, pescado. 

La tradición del pavo se remonta a mucho antes del nacimiento de Cristo, ya que es una tradición grecorromana: las ocas, por ejemplo, eran un animal relacionado con el anuncio de la primavera debido a sus migraciones. A lo largo de los siglos, el animal predilecto en estos banquetes fue cambiando, desde el capón del siglo VI hasta el gallo que consumía la nobleza durante el siglo XIII.

Harina de otro costal –valga la redundancia– son los dulces: los europeos nos hemos agarrado a cualquier excusa para ampliar los límites de nuestra repostería. La primera referencia que existe del turrón se encuentra en una carta del año 1453 de María de Trastámara a las monjas del Convento de Santa Clara barcelonés, pero como recuerda Gallar, ya hay una referencia a un dulce semejante en 'Las mil y una noches'. Probablemente el mazapán sea de origen árabe y llegase a nosotros a través del comercio naval, pero hay otra hipótesis que sugiere que pudo originarse en San Clemente el Real, en Toledo, durante un asedio que provocó que la imaginación alumbrase este alimento para aprovechar la gran cantidad de almendras almacenadas.

Durante siglos en España, la Navidad fue una de las principales herramientas de encuentro entre cristianos y musulmanes.

Lo que parece más claro es el origen del Roscón de Reyes que, una vez más, tiene origen pagano. En este caso, se encuentra en las Saturnales, donde se devoraba una torta circular que en su interior contenía un haba que convertía al que la descubría no en el pardillo que debía pagar el roscón, sino en el rey de la fiesta.

Una fiesta muy española

Durante siglos, y aunque a algunos les resulte paradójico, la Navidad, es decir, la gran fiesta cristiana, fue una de las principales herramientas de encuentro entre cristianos y musulmanes. Hay que recordar que el islam reconoce a Jesucristo como profeta, por lo que, durante los años de convivencia en la Península, la Navidad llegó a ser celebrada también por los musulmanes. Una buena muestra del carácter heterodoxo y no excluyente de esta fiesta.

¿Son las doce uvas una burla castiza a los sectores más nobles de la población, que tomaban esa fruta durante la Nochevieja?

Estas celebraciones también han generado diversas costumbres propias de nuestro país. El ejemplo más claro son las doce uvas de la Nochevieja, cuyo origen se encuentra en Madrid, aunque haya dos distintas teorías. Una la señala como una burla realizada por las clases populares castizas a la costumbre de la nobleza capitalina de cenar este alimento en Nochevieja; otra apunta a un excedente de producción en 1909 al que se dio salida de esa peculiar manera.

Muy española es también la Lotería, cuyo origen se remonta a comienzos del siglo XIX, como una manera de recaudar dinero para el erario público –sacudido por la Guerra de Independencia– sin perjudicar a la sociedad en su conjunto: el primer sorteo de Navidad tuvo lugar el 18 de diciembre de 1812. Nuestro país también ha realizado una gran aportación a los villancicos, que obtienen su nombre de los villanos –pueblo llano– que los cantaban durante los siglos XVI y XVI.

Mira y fotografía, un libro para aprender a crear imágenes.

La facilidad y  asequibilidad de la fotografía digital ha propiciado sustituir el acto reflexivo previo de mirar y pensar por el compulsivo de disparar para luego ver el resultado. Mira y Fotografía (editorial GG) es un libro de Jesús G. Pastor que pretende poner las cosas en su lugar y por su orden, primero miramos, decidimos qué queremos plasmar y luego un clic nos brinda la fotografía.

Estamos ante un texto que pretende enseñar al lector, como reza su subtítulo, a usar su cámara para crear las fotografías que imagina. La manera de transmitir esa enseñanza no es por la vía de la teoría o las reglas sino mediante la observación de 150 fotografías agrupadas en cerca de 90 dobles páginas cada una de las cuales recoge una “lección” desarrollada brevemente por el autor en el texto que complementa las imágenes. 

Este libro encuentra un acomodo perfecto en la línea editorial de GG. De hecho, si uno repasa su catálogo encuentra otras obras que comparten la misma intención y título de Mira y Fotografía. La última, ¡Mirar! de Joel Meyerowitz , la anterior Mirar de John Berger. Históricamente, la editorial GG, Gustavo Gili, fue una de las primeras que apostó en España por un sello dedicado a grandes títulos de la fotografía en su vertiente teórica y reflexiva y lo hizo publicando obras de grandes autores, fundamentalmente internacionales, como Ellen Maas, Beaumont Newhall, Cartier-Bresson, Fontcuberta… Aunque el antiguo sello FotoGGrafía que albergaba esos títulos hace tiempo que dejó de existir, GG aún aún enriquece de vez en cuando su catálogo con nuevos títulos fotográficos como el que hoy comentamos.

Quizás para que el libro resulte asequible a lectores con cualquier nivel de conocimiento  fotográfico, el autor ha incluido bajo el epígrafe La cámara un capítulo en el que, de forma somera, se habla del diafragma, el obturador, la sensibilidad, los objetivos, el tipo de cámara, el modo de disparo, etc. En el resto de capítulos  la información técnica se circunscribe a los datos de toma que acompañan cada una de las fotografías y que nos informan sobre el objetivo, la sensibilidad ISO, la velocidad, la apertura y el método de medición de luz ajustado en la cámara.

Tiempo, Luz, El lenguaje y Fotografía  son las palabras que encabezan el resto de capítulos donde el autor va enseñando piezas del lenguaje visual, la composición fotográfica, la intencionalidad, el encuadre y todos aquellos elementos que  confluyen en las decisiones que el fotógrafo debe o debería tomar antes de apretar el disparador de su cámara.

Al contrario de lo que hizo el citado Joel Meyerowitz en su libro ¡Mirar!,  que tan solo publicó una fotografía propia en las páginas de la obra, Jesús G Pastor ha optado por incluir únicamente fotografías de su autoría para ilustrar todos los conceptos que desarrolla en el libro.

Ejemplo de doble página interior del libro

El libro puede adquirirse a través de este enlace: Mira y Fotografía (editorial GG) de Jesús G. Pastor

El dramaturgo y director teatral Andrés Presumido ha encargado al equipo de Luz y Tinta&Moldeandolaluz, la filmación de su obra teatral CINCO MILLONES DE RUBLOS. Con textos del genial escritor ruso Antón Chejov, la obra recorre con humor distintos relatos en torno a un sorteo de lotería. La filmación de realizará el Viernes 2 de Diciembre.

En el 2023, se iniciará el desarrollo de un nuevo proyecto cinematográfico y teatral, donde en su exhibición al publico se mostrará una obra donde se intercalará parte en cine, parte en teatro, los que hayan visto La rosa púrpura de El Cairo  película dirigida por Woody Allen, se harán una idea de lo que pretendemos hacer el próximo año. Ese mismo año, al llegar la primavera esperamos estrenar el corto SOLO, basado en el cuento de Armando Palacio Valdés, cuyo proceso en estos momentos terminada su fimación está en la fase de edición/montaje.  Hablaremos de todo ello en su momento.

Desde nuestras respectivas organizaciones se baraja la posibilidad de crear nuestra propia productora cinematográfica.

Habrá un nuevo pase el día 4 de Noviembre, será un adelanto del estreno  en Madrid.

Cuando Julio me llamo para hablarme de su proyecto y para contarme con todo lujo de detalles el argumento y para pedirme que fuera su -productor ejecutivo-, me sentí muy honrado que pusiera esa responsabilidad en mis manos, pero la verdad es que mi primera reflexión, y así se lo dije a él, pensé que se había vuelto loco, intentar hacer una película de estas características en la sociedad en la que vivimos, en la que lo que hacemos ahora dentro de cinco minutos  ya no se acuerda nadie, todo va deprisa, deprisa, mejor dicho: nos obligan a ir de prisa, de prisa, sin tiempo para pensar y reflexionar,  es la era del pasa pantallas y de las nuevas y menos exigentes formas de entretenimiento miento; en ese contexto hacer una película en blanco y negro y además muda…pues como que se necesita mucho valor y un apasionamiento sin fronteras.

Una vez metidos en harina, para hacer este película solo se contaba con un excelente director, él, Julio de la Fuente, con una buen guion, también suyo, pero faltaba lo más importante para una película de estas característica, los actores, actores que fueran capaces de dar vida a unos personajes sin voz expresando sus pensamientos y sentimientos privados de la palabra, a los niños, que no era tarea fácil. Desprovistos del lenguaje de la palabra habría que reemplazarlo por el lenguaje musical y para ello se necesitaba tener a un gran compositor, una fotografía y un montaje que permitiera su lectura, cuantos menos carteles mejor, un buen equipo de producción, ayudante de dirección, atrezo, vestuario, maquillaje… y un gran número de figurantes especiales, del que no puedo por menos que recordar al amigo Philippe, nos conocimos en rodajes anteriores, se había encargado de la próxima cena amigos en navidad, no estaremos solos, porque las personas a las que queremos o admiramos, no mueren mientras las recordemos.

Como ocurre con los buenos cocineros que no maltratan los alimentos, el “Cheff” en este caso era y es Julio de la Fuente, el director que, con todos esos ingredientes, ha conseguido un resultado excelente con su aderezo.  Es evidente a juzgar por los resultados que ha sido un acierto la elección de todo el capital humano de la película, actores, técnicos y creadores como el caso de Isaac Turienzo con su magistral banda sonora. Todos, absolutamente todos han estado a la altura de las circunstancias.

Desconozco el recorrido que podrá tener la película en salas comerciales, dada su singularidad y en los tiempos que corren para el cine, y para la industria del entretenimiento a la que me refería anteriormente, pero de lo que no cabe ninguna duda es que estamos ante una película de autor, tiempo al tiempo, los festivales del mundo tienen la palabra.

Los que venimos del mundo de la fotografía sabemos que esta capta los momentos que nunca vuelven, inmortaliza el tiempo, en el cine el tiempo no existe, se crea; su orden satisface a leyes distintas. Las escenas no suceden espontáneamente, sino que se ruedan, se modifican, se construyen y se reconstruyen. Y hay que ser muy valiente para hacer esto en 2022, haciéndonos viajar en el tiempo cien años atrás, contándonos esta hermosa historia tal como se hubiera realizado en esa época. 

No puedo evitar la dinámica de las comparaciones. Son odiosas, es cierto, pero también ayudan a sentir y reflexionar, salvando las distancias evidentemente, hay dos comparaciones que no quiero obviar, podría citar muchas más, pero me voy a referir a estas dos, la escena del salón o casino y el final de la película, son secuencias icónicas para mí, la primera está realizada solo y exclusivamente por actores secundarios, al mejor estilo del cine neorrealista italiano. Aquí y en el resto de las secuencias Julio nos está diciendo que también sabe interpretar, al tiempo que homenajea Eric Campbell. 

La segunda, el final de la película es épico, es un guiño a ese cine neorrealista, y a los finales felices de Chaplin, que en el fondo llevaban siempre un mensaje, como en “El Chico”, “Tiempos Modernos” o en el Gran dictador, esos niños corriendo, anunciando la esperanza y el futuro como en la “Roma cittá aperta” la obra maestra del neorrealismo italiano de Roberto Rosellini, es una maravilla. Sin duda aquí Benito puso la guinda con esos encuadres y composiciones cinematográficas, los actores Nerea, Luis y Valentín están en su máximo esplendor elevados por esa música que nos recuerda a los mejores hitos del género musical, es como estar a oscuras y encender la luz.  Como se dice en Asturias “Nunca llovió que nun abocanare”, Nunca llueve  eternamente, la noche anterior las montañas se empezaron a pintar con las primeras nieves, los niños corren hacia una nueva vida en una alegre mañana gris pero llena de grandiosidad.

Y termino con esas comparaciones, Roberto Rosellini y Julio de la Fuente, los dos caminaron por el cable (slackline) del funambulista, pero lo hicieron sin red. Roberto Rosellini, acometió el proyecto de “Roma ciudad abierta”, empeñando sus bienes, vendiendo sus muebles, solo con la ayuda intelectual de su amigo Fellini.

Julio, lleva 16 años haciendo cine en Asturias, cortos, largometrajes, documentales, sus películas han sido reconocidas en infinidad de festivales internacionales, y no me extraña que diga que esta será su última película, que no quiere asumir más riesgos económicos o de salud. Sería una pena y una gran pérdida si esto fuera cierto, porque Julio pienso que aún tiene mucho que decir en el cine, y sobre todo en el cine que se hace aquí en Asturias. Gracias Julio. Enhorabuena

Desde nuestra red social queremos agradecer el despliegue que ha realizado AFAC&Moldeandolaluz para cubrir este evento, ya que los más de 700 espectadores que abarrotaron el Teatro Filarmonica de Oviedo, querían posar ante el fotocol

Un fuerte abrazo para todos.

José Luis Cuendia "Guendy"

La composición fotográfica, ojo, mente y geometría (Anaya Multimedia) es el título de una nueva obra firmada por Consuelo Cabiedes, una licenciada en Derecho qué descubrió en la fotografía su motor vital.

Hay temas que son clásicos en los libros de fotografía y la composición es uno de ellos como, por otro lado, no podía ser menos ya que se trata de una pieza clave para que una creación tenga fuerza y sea a fin de cuentas una buena imagen.

Con este libro, eminentemente teórico y cierto toque académico, Consuelo Cabiedes trata de facilitarnos un puente para que entendamos y estudiemos los elementos que articulan el lenguaje visual y cómo se organizan para conseguir aquello que consideramos una imagen bien compuesta.

Quiénes han disparado ya miles de fotografías saben muy bien que en multitud de ocasiones el encuadre y la composición surgen de manera intuitiva y hay además una serie de variaciones sobre el mismo tema que nos permiten, a posteriori, decidir cuál es la imagen que preferimos. 

Sin embargo, esa evidencia de que con la práctica el disparo fotográfico es espontáneo no niega la importancia de la composición fotográfica y el conocimiento de sus elementos. En realidad, si analizamos nuestras buenas fotografías tomadas de una manera espontánea, nos daremos cuenta de que hayamos pensado más o menos antes de la toma, las reglas de la composición y los elementos compositivos están bien distribuidos y decididos dentro de esa imagen y ésta funciona porque hay una buena composición.

Puesto que esto es una evidencia, estudiar y racionalizar, como propone el libro, cuáles son las reglas compositivas y los elementos que contribuyen a crear una buena imagen es algo que no puede sino ayudar a dominar y tener claros cuáles son los recursos que están a nuestra disposición.

Para ponernos en la senda del aprendizaje compositivo, Consuelo Cabiedes decide iniciar su obra con un par de capítulos dedicados a los aspectos fisiológicos de la visión y también a las teorías sobre la percepción. Son dos capítulos teóricos pero someros, en donde además de las referencias académicas incluyen también retazos de conversaciones con especialistas como forma de reforzar la consistencia de la argumentación aportada por la autora.

A partir de ahí los 5 capítulos que completan el libro, si bien siguen siendo teóricos, se centran en cuestiones directamente relacionadas con la composición fotográfica, aunque perfectamente se podrían aplicar también a la pictórica.

Es en estos capítulos donde Cabiedes va poniendo ante el lector todo lo relacionados con conceptos como la escala, la dimensión y el formato; las reglas de los tercios, de la simetría y otras relacionadas con las teorías de la proporción; el punto, la línea, el plano y el resto de elementos que definen la estructura formal de la imagen o bien su estructura dinámica (ritmo, movimiento, equilibrio…). El cierre del libro da cabida a la intuición y la visión y el estilo personal.

El libro con 254 páginas, es una obra bien editada e ilustrada fotográficamente sin que falten esquemas y dibujos allí donde resultan convenientes para ilustrar un concepto.

El libro puede adquirirse en este enlace: La composición fotográfica. Ojo, mente y geometría

La 11ª edición del EMIFF, entregará el premio Evolution Cinematography ICON al director de fotografía Ed Lachman.

La edición EMIFF 2022 dará la bienvenida a Mallorca al aclamado director de fotografía Ed Lachman que ha participado en Lejos del cielo, Carol, Las vírgenes suicidas y El último show, entre otras, quien recibirá el primer premio Evolution Cinematography ICON del festival.

Si el director de fotografía Edward Lachman se hubiese inclinado a cazar estatuillas doradas, hubiera filmado nada más que romances prohibidos ambientados en los 50 para Todd Haynes. La película inicial de Lachman que coincide con esa descripción – “Lejos del paraíso” (Far from paradise –2002)  le proporcionó su primera nominación al Oscar.

Tanto su abuelo como su padre estuvieron en el negocio de la exhibición cinematográfica. ¿Qué recuerda acerca de las salas que ellos tenían?

Lachman: Mi abuelo del lado de mi madre fue un inmigrante húngaro que poseía salas de vodevil. Cuando las salas de vodevil desaparecieron, se convirtieron en salas de cine. Tuvo salas en el norte de Nueva Jersey. Lamentablemente nunca lo conocí, ya que murió el año en que nací. Y luego mi padre tuvo una sala de cine en Boonton, Nueva Jersey. La cuestión extraña acerca de la sala de cine de mi padre es que estaba instalada en una sala de ópera, entonces si pasabas detrás de la pantalla y te dabas vuelta, podías sentarte y ver la película. También fue distribuidor de carbones de arco, que eran las luces que se utilizaban en los proyectores de cine; y también se usaban como fuentes de iluminación en Hollywood antes de los HMI. Más tarde fue el primero en traer lámparas de xenón a USA, que reemplazaron a los arcos de carbón.

¿Cuándo tuvo su primera cámara?

Lachman: Mi padre era fotógrafo amateur y puedo recordarme aborreciendo la fotografía. Yo tenía esa extraña idea – como creen ciertos pueblos – que la fotografía te roba el alma (ríe). Cuando viajé por Europa como adolescente finalmente comencé a jugar con una cámara. La primera cámara que realmente utilicé fue una cámara Súper 8. Hice mis pequeñas películas que eran una especie de retratos de gente. A la gente siempre le gusta verse fotografiada y rápidamente comenzaron a llamarme para que hiciera la fotografía de las películas de otros. Pensé que sería una forma barata de aprender cómo se hacen las películas, ya que en esa época se trataba de una actividad muy costosa. Y luego me di cuenta que podía transformarse en un trabajo. Pero aún hoy sigo haciendo mis propias películas   

El director de fotografía Ed Lachman recibirá el premio Evolution Cinematography ICON

En su 11ª edición, el Evolution Mallorca International Film Festival es reconocido como uno de los festivales de cine que más rápido crece en Europa y el certamen de cine presencial con más trayectoria en Palma. Fundado por la cineasta y actriz Sandra Lipski, el EMIFF cuenta con el apoyo de la Fundació Mallorca Turisme y la Mallorca Film Commission desde su creación, en 2012. Camera & Light es media partner del festival y colaborará con un panel centrado en Cinematography.

Con la intención de utilizar el cine internacional para dar forma a una comunidad creativa y para que los cineastas independientes puedan inspirarse, se relacionen y prosperen, este año se producirán algunas novedades importantes en el programa del EMIFF. Una de ellas, por ejemplo, es que se incluye un Cinematography Focus inaugural -apoyado por los nuevos medios de comunicación asociados, el British Cinematographer y Camera & Light Magazine– donde se invitará a directores de fotografía de todo el mundo a participar en conferencias y eventos del festival. 

El Evolution Mallorca International Film Festival 2022 usa su plataforma para elevar el papel de la mujer en la industria cinematográfica. Este año EMIFF anunció que honrará con el premio Evolution Cinematography ICON al director de fotografía Ed Lachman

                                                                                                                                                                                                  Las malditas erratas

Cuando las imágenes hablan

Wim Wenders es el director de joyas fílmicas como El amigo americano (1977), Paris, Texas (1984) o El cielo sobre Berlín (1987). Su manera de explicar historias lo ha convertido en un director de culto, aunque también se ha adentrado en otras disciplinas como la fotografía. El cineasta nació en la ciudad alemana de Düsseldorf en 1945. Desde pequeño le habían apasionado los viajes, pero no fue hasta finales de los años sesenta y con veintiún primaveras que realizó uno de los periplos que cambió su vida: se fue a vivir una temporada a París, siguiendo la estela curiosa del joven Werther, el personaje literario de Johann Wolfgang von Goethe. En París, Wenders se interesó por el cine hasta tal punto que decidió convertirlo en su profesión. Se cuenta que acudía cada día al cine llegando a ver hasta seis películas en una sola jornada. Así, se sumergió en el estudio de este arte tanto en la capital francesa como en su Alemania natal.

Polaroids, las primeras fotografías de Wim Wenders

1. Autoretrato (1975). | 2. Annie Leibovitz, LA (1973) | 3. Valley of the Gods, Utah (1977). | 4. Chicago (1975). | Wim Wenders / London’s Photographers’ Gallery

Su gusto por la fotografía no solo está vinculado al cine, también a sus genes. Su padre, un médico y cirujano alemán, llevaba consigo una cámara de fotos con la que inmortalizó la vida familiar. Wim Wenders hizo lo mismo. Desde que empezó a estudiar cine a finales de los años 60, el director alemán lleva encima una cámara de fotos analógica con la que recorre el mundo. En los setenta, su niña bonita fue una Polaroid con la que inmortalizó momentos de viajes, rodajes, citas con amigos, etcétera. Estas imágenes darían forma, años más tarde, al libro titulado Wim Wenders: Instant Stories (2017), formado por 403 polaroids y 36 historias. Esta obra es un diálogo entre imagen y escritura donde el público no solo puede conocer la historia tras cada captura, también la manera con la que Wim Wenders mira el mundo —o, mejor dicho, su realidad—.

Tanto sus fotografías como su cine tienen un denominador común que los moldea: el viaje. Este siempre está enfocado como metáfora del ser humano, del camino que este sigue hasta llegar a ser un individuo. De ahí que las imágenes del libro Wim Wenders: Instant Stories sean autobiográficas. Un muestrario sobre el viaje externo y físico que recorrió el cineasta, pero también una mirada hacia su interior, hacia sus cambios y crecimiento personal. Conceptos como la nostalgia, la infancia, la madurez y la aventura están presentes en el libro y en las imágenes. Todos ellos podrían formar parte de cualquier periplo personal y espiritual al uso, pero lo curioso de Wenders es la forma en la que los representa. Para él, las polaroids tienen algo especial que va más allá de lo que retratan. Su rasgo distintivo tiene que ver con lo analógico y con cómo concibe este tipo de fotografía.  

Wim Wenders es un artista que muestra, pero también remueve las emociones justas para que nos preguntemos sobre el sentido de la vida y la inmensidad del mundo.

En otras palabras y adentrándonos en temas más filosóficos, Wenders afirma que las fotos analógicas y, en concreto, sus polaroids tienen entidad propia. Todas ellas son únicas y frágiles en tanto que existen mientras que el espectador las aprecia teniéndolas en la mano. Eso les da un carácter muy singular y especial que al cineasta le apasiona. Por ello siempre fotografía en analógico, sin edición posterior.

Su pasión por la fotografía tradicional está latente en todas sus instantáneas. Uno de sus trabajos más impactantes es la exposición Wim Wenders Photographs que acogió la Fundación Sorigué en Lleidaen los años 2013 y 2014. En ella, se pudieron ver panorámicas de la Zona Cero de Manhattan tras el 11-S, del accidente nuclear de Fukushima y de otros paisajes. Estas imágenes seguían con el tono atmosférico, melancólico y arrebatador de sus polaroids, pero sumándole un matiz casi post apocalíptico. Una mezcla entre la calma, el silencio y la crudeza después de la tragedia. Pero es que así es Wim Wenders: un artista que muestra, pero también remueve las emociones justas para que nos preguntemos sobre el sentido de la vida y la inmensidad del mundo. El director muestra lo que vio al apretar el obturador, se convierte en un oyente de la historia del paisaje y la explica al capturarla en la fotografía. Algo que, según Wenders, «vinculado a lo analógico destila verdad». 

Las instantáneas que dieron forma a Paris, Texas

La fotografía y el viaje que esta implica para Wim Wenders también han sido puntos importantes en su filmografía. Esto no solo se ve reflejado en la línea estética de los fotogramas, sino también en los lugares y escenarios que aparecen. Paris, Texas (1984) podría considerarse uno de los ejemplos más claros de esto. Las imágenes del largometraje cautivan al espectador por sus colores, las escenas que retratan y las emociones que transmiten. ¿Quién no recuerda a Travis (interpretado por Harry Dean Stanton) andando por el desierto de Texas bajo un sol de justicia? Pero veamos de qué manera se relaciona todo esto. Wenders tenía en la mano el guion de la que sería su próxima película y sabía que tenía que estar ambientada en el sur de Estados Unidos. Por este motivo se sumergió en un viaje por Texas, Arizona, Nuevo México y California acompañado únicamente de carretes Kodachrome y una Plaubel Makina 67. El resultado fue una odisea por carreteras secundarias, paisajes del sur profundo de EE. UU. y pueblos pequeños entre los cuales se encontraba, por supuesto, el París de Texas. En ese viaje, Wenders quedó fascinado por los colores y la luz de las tierras sureñas de los Estados Unidos. El cineasta solo había visto ese tipo de imágenes en películas y no pensaba que pudieran ser reales hasta el momento preciso en el que las presenció. Paris, Texas retrata esto, pero también el libro Escrito en el Oeste, publicado en el año 2000 como reedición del material expuesto en el centro Pompidou de París en el año 1986. 

De hecho, Wenders añadió quince fotografías que no estaban en esta muestra en la cual aparece, por supuesto, el mítico pueblo que da nombre al film. De esta manera, el cineasta le hizo justicia y la mostró al mundo según su mirada. Cabe recordar que en la cinta el pueblo solo aparece en una fotografía que Travis lleva siempre encima. En el libro, Wenders también explica cómo el proceso creativo de Paris, Texas fue uno de los más apasionantes. Gracias a ese viaje, el cineasta cuenta que conoció la luz real del sur de EE. UU., sus colores y su carácter. Una de las imágenes que más le llamó la atención es la capturada en un viejo hotel de Arizona. La escena muestra la recepción del negocio donde hay un sofá, una máquina de Coca-Cola y un cuadro. Wim Wenders cuenta que quedó fascinado con ese cuadro y pensó que con un plano igual daría inicio a Paris, Texas. Lounge Painting 1 es el nombre de la famosa foto. Por eso no es de extrañar que la paleta de colores de esta película y su fotografía sean una de las más analizadas y estudiadas del cine contemporáneo. Paris, Texas no es solo un canto al amor imposible, al que lleva a la locura. También es una oda a la luz, a la oscuridad y a la vida que hay tras los paisajes del sur de EE. UU.

Graciela Borges, María Vazquez, Julieta Spina y Andy Cherniavsky estuvieron entre las invitadas al evento de la Legislatura porteña.

En el Salón Dorado Hipólito Yrigoyen de la Legislatura porteña, el famoso fotógrafo Gabriel Rocca recibió la mención honorífica como “Personalidad Destacada en el ámbito de la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires” en un evento a salón lleno del que participaron personalidades de la moda, la publicidad, el teatro y el periodismo.

La declaración fue impulsada por el legislador porteño Roy Cortina, diputado del Partido Socialista dentro del bloque Vamos Juntos, quien actualmente preside la Comisión de Cultura y ocupa la Vicepresidencia Tercera; en coautoría con la Diputada Jessica Barreto del mismo espacio, quienes fueron anfitriones del evento.

El acto que comenzó con videos de la muestra “Rocca en la Usina” y “Rocca and Roll”, contó también con la presencia de personalidades como Graciela Borges, la fotógrafa Andy Cherniavsky y las modelos Maria Vázquez y Julieta Spina, la diseñadora María Pryor, el actor Santo Rocca, entre muchos más.

Al inaugurar el acto, Cortina afirmó: “El archivo de Gabriel es interminable, fiel reflejo de un apasionado que siempre supo reinventarse. A lo largo de una trayectoria de más de cuarenta años se encargó de retratar a las principales figuras y celebridades de la cultura argentina, contribuyendo con su obra al patrimonio cultural de la ciudad de Buenos Aires”.

También destacó su compromiso social por las muestras “Retratos de cuarentena” y “Héroes de pandemia”, en donde el artista retrató a los trabajadores esenciales “que trabajaron en la primera línea de contención en la pandemia por el COVID-19″.

Por su parte, Rocca agradeció el reconocimiento y “a los personajes que tuvo delante de cámara por dejarse atravesar por la luz”. A su vez, sintetizó que la fotografía “es un instante que nos lleva y nos recuerda algo tan fuerte”. Y agregó: “Valoro este halago, que es para la fotografía y la imagen, que es un arte, un movimiento y una expresión tan querida y apasionada”.

El ministro de cultura de la Ciudad Enrique Avogadro, quien también se hizo presente declaró: “Gabriel transformó la memoria visual que tenemos en la Ciudad de Buenos Aires. Sin tu obra tendríamos una memoria visual mucho más pobre”. A su vez, agregó que el trabajo de Rocca es parte del patrimonio cultural de la ciudad.

Luego, el periodista Osvaldo Marzullo recordó sus años de redacción y coberturas junto al agasajado. “Las fotos de Gabriel tienen música”, concluyó.

Al finalizar, los invitados recorrieron una muestra con algunas de las fotografías más icónicas del archivo de Rocca.

Gabriel Rocca: su historia

Gabriel Rocca es uno de los fotógrafos de mayor prestigio en el país. Con su lente retrató a grandes íconos y celebridades de la cultura popular como Charly García, Luis Alberto Spinetta, Graciela Borges, Ricardo Darín, Pappo, Valeria Mazza, Susana Giménez y ha sido el responsable de los retratos más emblemáticos de Diego Maradona y Gustavo Cerati. En sus tiempos como “fotógrafo del rock” compartió mesa con Freddie Mercury y Whitesnake en el primer Festival Rock in Río de 1985.

En los noventa llevó su estilo a los fashion films como productor y director, trabajando con las principales agencias y las marcas más reconocidas, dentro y fuera de nuestro país, llegándose a convertir en la actualidad en una marca registrada en sí mismo.

Una de las primeras mujeres técnicas en el cine colombiano

Adriana Bernal Martínez está considerada la primera directora de fotografía de Colombia, y una de las primeras mujeres en aparecer en un crédito fílmico como jefa de departamento. Al culminar sus estudios en la Fémis (École Nationale Supérieure des Métiers de L’image et du Son) en París (Francia), vuelve a Colombia en 1998, ejercitándose en el cine (con más de 20 cortometrajes) y trabajo publicitario.

Formó parte del equipo de cineastas que trabajó en la primera Dirección de Cinematografía bajo la dirección de Felipe Aljure. Ha trabajado en los largometrajes Orson de Daniel Byung, El ángel del acordeón de María Camila Lizarazo, Infierno o Paraíso y Tule Kuna, cantamos para no morir, ambos de Germán Piffano, Kintsugi (nombre tentativo) de José Luis Arzuaga, Nijole de Sandro Bozzolo y en series como Pambelé, La ley del Corazón I y II para RCN, #EmiFan para Canal 13 y dirigió Fabiana y la llave del saber de Canal Capital. Adicionalmente hizo la dirección de fotografía del mediometraje Cine del solar y del cortometraje Pago por ver, ganador del FDC. En el año 2021 Adriana trabajó en dos proyectos de series que se estrenaron este año: Soy María Villa, mini serie de seis capítulos, y en la serie mexicana De brutas nada 3 de Sony para Amazon, ejecutando la dirección de fotografía de la segunda unidad. Recientemente codirigió e hizo la dirección de fotografía del cortometraje Reencuentro, seleccionado en varios festivales.

Adriana pertenece a una generación nacida y criada durante los “nada honorables años 90” en los que se asesinó masiva y selectivamente a un sector de la izquierda colombiana y se instaló el nada agradable “Plan Colombia”, acontecimientos que sin duda marcaron y marcarán la memoria histórica del país neogranadino; nación con la cual compartimos la suerte de hermanas siamesas separadas al nacer, y nos educaron para odiarnos a gusto, a conveniencia de las clases políticas dirigentes y dueñas de casi todo, que insisten en hacernos creer que el problema es de los que no tenemos casi nada.

Poco o nada conocemos del cine colombiano y sus autores, autoras y fotógrafos. Tenemos una deuda con la historia, con el arte, con el cine y con nuestras hermanas colombianas y hermanos colombianos, por lo que este espacio trinchera invita a que viajemos a buscar en sus imágenes las cosas que nos hermanan, que son más de las que nos separan.

No es un dato menor que Adriana proviene de una generación forjada a hierro y parida de esperanzas, pues son los años 90 los que van a dar en Colombia la bienvenida, en contrasentido del horror vivido, a la implementación de la Ley de Cine, dando inicio al fortalecimiento de la industria audiovisual y cinematográfica de la que hoy gozan colombianas y colombianos. Industria naciente que a su vez se convirtió en un espejo del dolor y dio testimonio visual de lo que allí pasó y nunca más debe volver a acontecer a nuestros pueblos y naciones. Es por eso que el cine, coincidiendo con Adriana Bernal, es un testigo de épocas que no caduca.

Adriana fue durante cuatro años la primera mujer presidenta de la Asociación de Directores de Fotografía Cinematográfica de Colombia (ADFC) y actualmente es la Vicepresidenta de la Federación Internacional de Asociaciones de Dirección de Fotografía Cinematográfica (IMAGO). Ha estado siempre cerca de la docencia y desde diferentes espacios educativos ha ayudado a formar en la dirección de fotografía a muchos y muchas de los jóvenes fotógrafos y fotógrafas de Colombia. Participó como profesora de la EICTV de Cuba y es socia fundadora del Centro de Cinematografía Digital (CCD), centro dedicado a la difusión de información técnica y artística, capacitación y enseñanza de la cinematografía para todo el mundo de habla hispana.

Desde el espacio cine que llevamos desde principios de la pandemia en el semanario cultural Todasadentro, andábamos buscando para encontrar a Adriana Bernal, quien finalmente nos cedió un tiempo en su agenda cinematográfica para esta entrevista, que realizamos con enorme placer siguiendo los aires de una Colombia distinta y finalmente más humana, que avanza a transitar vientos de cambio y esperanza.

-¿Quién es Adriana Bernal, por qué y para qué eligió la dirección de fotografía como disciplina?

-Soy cineasta, directora de fotografía, con más de 25 años de experiencia. Me especialicé en dirección de fotografía, también soy egresada en Comunicación Social de la Universidad Javeriana de Bogotá́, con énfasis Comunicación Educativa Audiovisual.  He trabajado además activamente por la industria cinematográfica en Colombia y por la participación de la mujer en la dirección de fotografía. Durante los últimos años vengo alternando cada vez más mi trabajo de directora de fotografía con el de escritura de guion y dirección de proyectos propios. Tengo dos proyectos en proceso, uno de Serie, en el que trabajo desde hace más de ocho años con tres reconocimientos internacionales y dos scrip doctors, llamado Sin la Tierra Prometida y un proyecto de largometraje que se llama Se la vendo.

-¿Qué es la dirección de fotografía para Adriana Bernal?

-Es la esencia misma del cine. El cine sin imagen no es nada. Narrar a través del encuadre y su composición y a través de la luz, es tal vez una de mis grandes pasiones.

-¿Qué implica ser mujer y ejecutar una disciplina “histórica y hegemónicamente” considerada para ser ejercida por el varón?

-Fue muy difícil al principio. El camino fue difícil y durante muchos años lo caminé en solitario, pero creo que ahora ha llegado el tiempo de las mujeres y en la Asociación somos cada vez más mujeres. Debemos levantar el promedio mundial, que todavía no supera el 10%.

-¿Cuál ha sido el proyecto más complejo y satisfactorio que te ha tocado fotografiar?

-Tal vez los proyectos más recientes, como la serie Soy María Villa en donde hice fotografía y cámara en un tiempo record o mi último corto, Reencuentro, en donde pude llevar a cabo la propuesta fotográfica tal y como yo lo había planteado inicialmente. Creo que durante la construcción de nuestra industria en estos últimos años, todos hemos aprendido a negociar nuestras necesidades con la producción para lograr un producto de calidad, que nos satisfaga a todos.

-¿Luz natural o artificial?

-Ambas, todo depende del proyecto y de las circunstancias. El planteamiento lumínico depende de lo que se quiera contar y de las posibilidades con las que se cuente. Me gusta mucho aprovechar la luz natural con espejos, sedas o nets. Y no hablo sólo del documental sino incluso en narraciones de ficción cuyo dispositivo de producción sea más restringido. Lo que no quiere decir que no haya algo más placentero para un fotógrafo/a que construir una escena con luz artificial, llena de detalles y matices.

-¿Qué puedes contarnos de los cálculos matemáticos y su relación con este rol técnico que elegiste?

-La dirección de fotografía es un oficio de doble carácter, técnico y artístico. Y no se puede dar por separado. Si bien es cierto lo más importante es poder crear desde lo conceptual, si no se tiene el conocimiento técnico científico y no se es capaz de ejecutar lo planteado, de nada sirve el talento. Esta es una profesión que requiere de estudio continuo, de habilidades físicas y motoras y por supuesto de un bagaje intelectual y artístico muy potente.

-Considerando que tu desarrollo en la dirección de fotografía alcanzó a cruzarte con la práctica del fílmico como forma y modo, teniendo en cuenta la importancia de la disciplina y el rigor para el resultado cine, ¿crees que la llegada del vídeo de alta definición, aun cuando ciertamente democratizó el acceso a los medios, marcó un relajamiento en la práctica de la dirección de foto y la realización?

-Sí, mira la verdad es que la transición del fílmico al digital impactó fuertemente en el quehacer cinematográfico, creo que la gente que hoy en día rueda en digital y alcanzó a rodar en fílmico tiene una rigurosidad muy distinta a la que hay hoy, no quiero decir que lo que hay sea malo, pero sí es menos riguroso, un poco más laxo digamos, hay como una especie de despreocupación por el material final, aunque también está pasando que hay una reversión, entre más pesado es el material (6k, 8k), obviamente ocupan mucho espacio en los discos y la gente se empieza a preocupar por la cantidad de tomas. A esto sumemos que en el set el comportamiento se ha distendido y eso no siempre resulta productivo, los ensayos por ejemplo antes de rodar “rodemos una, a ver cómo nos va”, eso eran cosas que uno no hacía con el fílmico, uno ensayaba hasta que le quedara bien, pero en términos técnicos, el digital es igualmente complejo, a quienes estamos en la fotografía nos toca estar estudiando continuamente porque si no nos quedamos rezagados, es decir en esencia no debería haber tanta diferencia, en definitiva creo que el paso al digital impactó negativamente el sistema de rodaje del dispositivo cinematográfico, que espero logremos recuperar con el paso a los grandes formatos.

-Y apropósito de esa circunstancia de distención que observamos, ¿cómo la encaramos en el set, cómo recuperamos la disciplina en el rodaje?

-Esa disciplina se va a ir adquiriendo «modificada», es decir, nunca como la de antes, pero se va a mejorar en tanto la resolución ha ido aumentando y la captura y el procesado han ido mejorando. Hoy los archivos de una filmación pesan considerablemente. Lo suficiente como para no cometer tonterías durante el rodaje. Almacenar material tan pesado se ha vuelto un problema para las productoras y cada vez les cuesta más gestionar correctamente el material y sus back ups. Así que la disciplina y el rigor volverán a ser necesarios.

-¿Crees que existe una mirada femenina en el cine?

-No lo creo como una diferencia fundamental y excluyente. Creo que todos/as tenemos una mirada formada desde lo que somos, desde nuestra cultura y desde la educación que hayamos tenido. En ese sentido, obviamente el ser mujer puede dar un sesgo sobre las decisiones que se toman en la creación de la imagen, pero que pueden estar muy cerca de la sensibilidad que un colega hombre o de cualquier otro género.

-¿Es lo mismo decir cine de mujeres que cine hecho por mujeres? ¿Cómo se enuncia según qué y quién?

-No, no es lo mismo. Para mí el cine de mujeres es el cine cuyo tema principal es el universo femenino. El cine hecho por mujeres no nos obliga a hablar solamente de lo femenino, es una invitación más amplia a hablar de lo que nos plazca, de lo que nos interesa, que muchas veces coincide con la defensa de la mujer, pero que muchas otras pueden referirse en general al ser humano. Yo tengo un hijo hombre y por ejemplo me interesa mucho hablar de ese mundo masculino en tiempos actuales.

-¿Qué representan en la ejecución de tu disciplina los avances tecnológicos desde el punto de vista del rigor y la prolijidad en la puesta?

-Representan, como lo dije más arriba, una parte importante de nuestro oficio. El/la Df debe conocer perfectamente su herramienta para poder utilizarla en la creación de la imagen cinematográfica. Los avances digitales van a velocidades vertiginosas y es nuestro deber adaptarnos a estos cambios. Eso implica estudio y actualización constantes.

-Vemos con “normalidad” que en un equipo técnico, aunque haya mujeres, se habla en masculino, entonces se dice “que venga el foquista” no la foquista o al gaffer o el eléctrico, no la eléctrica ni la gaffer. ¿Crees que es una simpleza en la que no debemos reparar o debería ser cambiado?

-Creo que el lenguaje es importante como herramienta para cambiar comportamientos, sin embargo, la excesiva atención a este problema y la desatención de otros, mucho más importantes, me agobia un poco. Si la foquista es una mujer la llamarán sin duda “la foquista” o “la gaffer” o “la eléctrica”… El problema real está en que en las instancias de la producción aprendan a confiar en las mujeres que hacen esos oficios, llámenlas como las llamen. Por ahora la confianza no está allí todavía. En la medida en que se nos vea más a las mujeres en los platós de rodaje y en diversos departamentos, más mujeres podrán acceder en el futuro.

-¿Crees que son necesarias políticas públicas de Estado que avancen en ese sentido? ¿O es un asunto de voluntad transformadora de la sociedad?

-Claro que creo en las políticas públicas, estatales y aquellas iniciativas privadas que se convierten en norma. Tiene que ver con lo que decía en la anterior pregunta. Si a una producción el gobierno le obliga con incentivos o con puntajes a tener un porcentaje de personal femenino en las cabezas de departamento, verlas en los rodajes se convertirá en una costumbre y nadie tendrá miedo de correr un riesgo al contratarlas. Tumbaremos mitos que no son conscientes, sino que están enquistados en el subconsciente colectivo.

-¿Crees que las escuelas de cine se incluye en la elección femenina de disciplinarse en técnico si, técnico no?

-Por experiencia sé que las escuelas de cine no tienen estructuras que discriminan a las estudiantes mujeres que quieren optar por la fotografía, pero como la sociedad nos ha cerrado ciertos espacios por comportamientos culturales de segregación, las chicas mismas, en su mayoría, se auto excluyen. Piensan que no pueden hacer cinematografía porque la cámara es muy pesada, porque soy muy bajita, porque hay muchas matemáticas, porque simplemente no podré acceder… De nuevo el reto es cambiar la mentalidad y cambiar las costumbres para normalizar la imagen de la mujer en la fotografía cinematográfica.

-En el marco de lo que pareciera va a representar un cambio de época en el desarrollo político de la región, hace nada se vivieron en Colombia hechos importantes, desde un paro nacional hasta un cambio electoral, ante ese nuevo contexto, entendemos que eres una referencia importante en el cine, ¿cuál crees que ha sido y debe ser la labor del cine nacional?

-En los últimos 20 años, el cine ha jugado un rol muy importante en la sociedad colombiana. Desde lo que yo llamo el «neorrealismo colombiano», el cine ha desvelado el mundo de los olvidados en este país. Desde nuestras narraciones se ha reivindicado a aquellos que han estado en la marginalidad social, a los pobres, a los violentados, a los excluidos. El cine en Colombia ha ido en contra de las políticas económicas neoliberales y se ha empecinado en contar las historias de aquellos que no tienen nada y que parece no importarle a nadie. Ellos han sido los protagonistas de nuestra cinematografía, que dicho sea de paso, han logrado desarrollar su propio lenguaje en estos años y han obtenido grandes reconocimientos internacionales. Con la llegada de nuevos aires a la política de nuestro país, solo espero que el cine en Colombia pase de la resistencia a la representación de una mejor realidad.

-Penúltima pregunta para gusto de nuestra comunidad lecto-escritora y senti-pensante. ¿Qué recomendarías a una persona (mujer) que quiere incursionar en cualquier lugar técnico del cine?

-Simplemente que se lance a hacerlo y una vez en ello que no pare de investigar, de estudiar, de actualizarse técnicamente y que no deje nunca de mirar. La dirección de fotografía es la reinterpretación que hacemos de una realidad a través de nuestra mirada, sobre las cosas, sobre las situaciones y sobre el ser humano. Es nuestra mirada la que estará plasmada en la imagen cinematográfica.

Para saber más sobre Adriana Bernal Martínez, visita su página web y red social:

www.bernaladriana.com

Trent Parke: el fotógrafo de atmósferas oscuras

La fotografía callejera no siempre es sinónimo de alegría e ironía y bien lo sabe Trent Parke , quien, a través de su personal visión de la fotografía, es capaz de contarnos los aspectos más profundos y emotivos de su vida.

La elección de hablarte de él surge de mi necesidad de resaltar cómo, muchas veces, la Fotografía Callejera esconde mucho más de lo que normalmente se piensa.

Biografía de Trent Parke

Trent Parke nació en 1971 en Newcastle, Australia . Desde pequeño su relación con la fotografía quedó patente gracias a su infalible amiga Pentax Spotmatic y su lavandería utilizada como cuarto oscuro.

Su primer proyecto fotográfico, llamado “Minutes to Midnight”, lo realizó en 2003 a raíz de un viaje realizado con su esposa por los suburbios australianos. Trent Parke ha conseguido retratar, a través de un proceso muy profundo e íntimo, la cotidianidad de la vida cotidiana, destacando sus aspectos más macabros e inquietantes.

La verdadera esencia del fotógrafo, sin embargo, sale a relucir en su proyecto “La rosa negra”, un proyecto introspectivo que ha culminado en una serie de exposiciones, documentos y videos que aún hoy son muy buscados y apreciados. Hoy, el artista australiano es uno de los miembros más importantes de Magnum Photos, así como una fuente de inspiración para muchos fotógrafos en todo el mundo.

El proceso creativo de Trent Parke

Hablar de Trent Parke es ciertamente muy difícil dada la gran profundidad emocional que se esconde detrás de sus imágenes.

En el pasado nunca he ocultado mi amor por su obra aunque conozco su peculiaridad y su carácter inquietante, por lo que me parece acertado presentarles a este artista.

El fotógrafo australiano tiene un ojo particular para las atmósferas oscuras, atmósferas que salen en su mayoría gracias al uso del blanco/negro (sobre todo de película) y un minucioso trabajo llevado a cabo en el cuarto oscuro.

Las sombras nítidas y los rayos de luz que golpean a los sujetos ayudan a enfatizar el mensaje del autor que pasa de temas relacionados con el dolor a temas relacionados con el renacimiento y la salvación.

El punto común de todo esto es la fotografía callejera. Trent Parke es un observador meticuloso y cada elemento que caracteriza a su tierra natal, Australia, es una poderosa herramienta narrativa de su vida e historia.

Lo que hace únicas a sus imágenes es sobre todo la elección del corte y el manejo de la luz, dos elementos que caracterizan su alma turbulenta y su agotadora búsqueda del equilibrio y la regeneración.

El poder de sus fotografías nos golpea en lo más profundo de nuestro corazón, llevándonos a apreciar más lo que nos rodea.

¿Qué nos enseña Trent Parke sobre fotografía?

Así que nuestro análisis de este espléndido autor podría terminar con lo que es una pregunta fundamental: ¿qué nos enseña Trent Parke sobre fotografía?

Uso la fotografía como una forma de ayudar a entender por qué estoy aquí. La cámara me ayuda a ver…

- Trent Parke

El fotógrafo australiano simplemente nos enseña a no fijarnos en el aspecto más efímero y superficial de la realidad porque esconde algo más, nos corresponde a los fotógrafos saber sacarlo o saber explotarlo para contarnos.

Arte y Desnudo de Antonio Garci, un gran libro de iluminación y pose

Tras conseguir un importante éxito editorial con su libro El retrato. Técnicas de iluminación: Dirección de poses y calidad de luz, Antonio Garci acaba de presentar una nueva obra centrada en una de sus especialidades, la fotografía de desnudo. Se llama Arte y Desnudo. Fotografía para vestir de luz, elegancia y libertad (PhotoClub, Anaya Multimedia) y es una obra extensa y rica en contenidos prácticos que agradecerá cualquier aficionado interesado en empezar o perfeccionarse en esta especialidad fotográfica.

Arte y Desnudo es un libro extenso que desarrolla sus contenidos en siete capítulos con una primera parte más expositiva y una segunda de referencia y consulta a la que el lector volverá sin duda una y otra vez a la hora de plantear sus sesiones.

Para dar comienzo a las 320 páginas del libro Antonio Garci ha querido hacer un repaso sucinto a la representación del cuerpo humano, primero en la pintura y escultura y después en la fotografía. Aprovecha también esta sección introductoria para determinar los fiferentes enfoques con los que se puede abordar la fotografía del desnudo: artístico, científico, glamour, erótico, boudoir, de moda…

Más allá de ese primer capítulo, en el resto del libro el lector va a encontrar contenidos de carácter práctico, desde cómo preparar una sesión o dónde encontrar modelos, hasta los conceptos básicos de la iluminación con las propiedades y características de la luz natural y la artificial, el efecto de los modificadores, etc.

Garci ha querido completar esta aproximación a las sesiones de desnudo fotográfico con un capítulo específico dedicado a la dirección y el trato con los modelos, un punto especialmente relevante en este tipo de fotografía donde algunas personas podrían sentirse especialmente vulnerables o inseguras. 

Hay que decir que el relato docente que plantea el autor a lo largo de todos estos capítulos iniciales, que aunque totalmente prácticos se podrían considerar más teóricos, se ve magníficamente reforzado por los cientos de fotografías que acompañan y ejemplifican todos los conceptos presentados.

Lo que más arriba calificábamos como parte de referencia de la obra viene recogido en dos capítulos sin desperdicio: 50 poses y 50 esquemas de iluminación. Son dos capítulos importantes, ocupan más de 200 páginas, con toda la información necesaria y las fotografías suficientes para que cualquier aficionado o experto pueda seguir los pasos necesarios para conseguir un resultado fotográfico determinado. No cabe duda de que estos dos contenidos serán los responsables de que el libro termine gozosamente ajado por un uso frecuente y recurrente. 

Después de muchos años de clases y tutoriales presenciales y online, está claro que Antonio Garci sabe muy bien qué necesitan y desean los alumnos-lectores y cómo dárselo. El libro refleja esa maestría en la docencia y se convierte en una obra de referencia destinada probablemente a convertirse también en un éxito de ventas como ocurrió con su anterior volumen.

El libro puede adquirirse a través de este anlace: Arte y Desnudo. Fotografía para vestir de luz, elegancia y libertad (PhotoClub, Anaya Multimedia) 

Crea Fotografías Gastronómicas, un libro integral sobre la imagen de la restauración

No sólo por el popular programa Master Chef, gastronomía, bebidas, restauración y cocina son temas de moda mantenida desde hace años y eso hace que la fotografía que plasma esas realidades, también tenga un creciente número de practicantes. Para todos aquellos que quieren iniciarse en esta especialidad, Andreina Contreras acaba de publicar Crea Fotografías Gastronómicas y de Restauración (FotoRuta) un libro que da un completo repaso a todos los conocimientos necesarios para abordar con éxito este género fotográfico.

Andreina Contreras es una periodista y fotógrafa venezolana que vive en España y ha trabajado en diversos países. Hace años se centró en la fotografía gastronómica y es además miembro de la asociación de sumilleres de Córdoba, la ciudad andaluza donde vive.

Como muy bien le hace ver Andreína Contreras al lector, aunque empleemos un solo término para hablar de fotografía gastronómica, en realidad este delimita un espacio muy amplio en el que cabe tanto el retrato, el producto, el bodegón como la fotografía de arquitectura e  interiorismo o el reportaje. De todo ello la autora ofrece ejemplos sacados de su trabajo y ofrece sus consejos y experiencia.

A la hora de plantear los contenidos del libro, la autora ha querido adoptar una visión integral que concentra en sus páginas todos los aspectos de la fotografía gastronómica: desde el equipo de toma e iluminación, conocimientos relacionados con la técnica fotográfica o la edición digital hasta conceptos de márketing y promoción personal para fotógrafos de gastronomía.

Con ese propósito integrador, la autora dedica los primeros capítulos a hacer un repaso a las  cámaras, objetivos, trípodes, mochilas y también a los elementos relacionados con la iluminación como los flashes, sus modificadores o los tipos de luz y sus cualidades. Igualmente aprovecha esta primera parte del libro para explicar algunos conceptos  básicos de  la toma fotográfica comunes a cualquier especialidad como son la velocidad de obturación, la sensibilidad ISO, apertura de diafragma, etc.

Aunque una relación de los puede resultar algo genérica, lo cierto es que Andreína no priva al lector de los detalles que acercan lo genérico a la especificidad de la fotografía culinaria. Nos cuenta cuáles son sus preferencias a la hora de escoger los objetivos en relación al tipo de toma que debe realizar, nos habla del estilismo de cocina y la importancia de seleccionar un buen atrezzo, de la minuciosidad a la hora de comprar los alimentos que serán protagonistas de la imagen, etc.

Por si alguien se lo está preguntando, hay que responder sí a la duda de si Andreína Contreras incluye en Crea Fotografías Gastronómicas los ya míticos trucos empleados en fotografía alimentaria para que un helado no se derrita o una hamburguesa resulte apetitosa y parezca algo más que un trozo de carne. En sus páginas está todo, desde el hielo artificial, el barnizado del pan o el papel de la glicerina para que las bebidas parezcan heladas, entre otros ejemplos.

Coherente con su planteamiento integral, Andreína Contreras le dedica un capítulo a la edición fotográfica, un tema que daría para un libro completo pero que en una obra de 192 páginas como esta tiene un planteamiento necesariamente breve y referencial.

Aunque no mucho más extenso, el apartado dedicado al Márketing para fotógrafos de gastronomía resulta muy interesante porque viene a resumir los pasos que una fotógrafa gastronómica de éxito ha seguido para promocionarse, dar a conocer su obra y, lo que es más importante, conseguir clientes.

El broche a los contenidos del libro lo ponen cuatro ejemplos de trabajos realizados y los detalles sobre sus circunstancias.

El libro puede ser adquirido desde este enlace: Crea Fotografías Gastronómicas y de Restauración

Por fin...

No nos emocionemos, estas son fotos de algunas de las galerías del Centro Nacional de Fotografía de Francia, que además cuenta también con 

el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París, que también tiene dedicados grandes espacios a la fotografía. 

Pedro Sánchez anuncia la creación del Centro Nacional de Fotografía en Soria

El edificio del Banco de España en Soria se convertirá en el primer Centro Nacional de Fotografía tal y como lo ha confirmado esta misma mañana en Burgos el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez. Esta noticia cumple con el objetivo que siempre ha defendido el alcalde de Soria, Carlos Martínez, de dotar a este emblemático edificio, ubicado en un lugar privilegiado de la ciudad, de un uso cultural de ámbito nacional que haga de Soria un punto de referencia, en este caso, del patrimonio y la cultura visual. Esta noticia culmina meses de gestiones y trabajo del Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Soria para concretar el contenido de este espacio cultural que, además, ya cuenta con una partida presupuestaria en las cuentas generales que asciende a cuatro millones de euros. Este anuncio, como ha explicado el alcalde, “recoge mucho trabajo, de muchas personas, que han hecho posible que hoy tengamos esta gran noticia”. Junto al centro de Soria se ha anunciado también un centro de innovación de Formación Profesional en Segovia confirmando ese objetivo de que el Gobierno tenga presencia en todos los territorios y que da continuidad a compromisos con nuestra ciudad como la implantación del Centro Nacional de Datos.

Hay que recordar que actualmente España no dispone de un Centro Nacional de Fotografía y que la creación de un espacio de este tipo cuenta con el respaldo de los creadores y profesionales de este medio artístico que recientemente han constituido una plataforma para promover su puesta en marcha.

El Banco de España está situado en la plaza de San Esteban, ahora denominada también Plaza de las Mujeres, aunque uno de sus laterales da a la plaza del Olivo. Ambas son plazas ubicadas en la mitad de la céntrica calle del Collado. La plaza de San Esteban se llama así porque allí se encontraba una iglesia románica desaparecida. Reformada a finales del pasado siglo XX, contiene otros edificios señeros como el Centro Cultural Gaya Nuño. Junto a esta plaza, un olivo recuerda a la antigua huerta situada en este lugar. Por eso la pequeña plaza unida a la de San Esteban recibe este nombre. En esta plaza también se encontraba la pensión ‘Las Isidras’, donde residió dos años Gerardo Diego cuando era profesor del cercano instituto, hoy llamado Antonio Machado, entre 1920 y 1922.El edificio del Banco de España ocupa el solar que dejó el antiguo palacio de los Vinuesa, conocido vulgarmente como palacio de los condes de Santa Coloma.

El edificio dejó de ser la sede del Banco de España el 31 de diciembre de 2002. Tras una primera propuesta de rehabilitación como Subdelegación, en 2004, mediante Acuerdo de Consejo de Ministros de fecha 6 de mayo de 2005, se aprobó el PAES. El Plan recogía que la antigua sucursal del Banco de España se transferiría al Ministerio de Cultura, para que fuera destinada a finalidades culturales.

En 2010, se iniciaron los trámites para la redacción del proyecto definitivo para su uso cultural, que se licitó en el mes de diciembre de ese mismo año, después de un proceso complejo para compensar los intereses del Catastro y del Ministerio de Cultura. En octubre de 2011 se licitó la obra por 5,4 millones de euros por parte del Gobierno. Antes de concluir la legislatura se completó todo el proceso administrativo para la rehabilitación total del edificio y su conversión en un Centro de Fotografía.

Las obras comenzaron en febrero de 2012, pero, sin embargo, ya con cambio de legislatura tras las Elecciones, se pararon en enero de 2013 y se rescindió el contrato con la empresa adjudicataria. En 2015 se aparca el uso cultural y se retoma el proyecto de uso administrativo sumando años de parálisis de la intervención.

Con la nueva legislatura, se retoma su uso cultural y se recoge en los Presupuestos generales del Estado una partida de 4 millones de euros. El anuncio de hoy sienta las bases para poder licitar las obras con ese ansiado contenido cultural como Centro Nacional de Fotografía.

Con esta buena noticia se cumple una vieja reinvindicación de las asociaciones fotográficas más importantes de nuestro país.

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https://www.xatakafoto.com/actualidad/nace-asociacion-para-luchar-centro-nacional-fotografia-evitar-perder-archivos-fotografos-espanoles

Por fin...

No nos emocionemos, estas son fotos de algunas de las galerías del Centro Nacional de Fotografía de Francia, que además cuenta también con 

el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París, que también tiene dedicados grandes espacios a la fotografía. 

Pedro Sánchez anuncia la creación del Centro Nacional de Fotografía en Soria

El edificio del Banco de España en Soria se convertirá en el primer Centro Nacional de Fotografía tal y como lo ha confirmado esta misma mañana en Burgos el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez. Esta noticia cumple con el objetivo que siempre ha defendido el alcalde de Soria, Carlos Martínez, de dotar a este emblemático edificio, ubicado en un lugar privilegiado de la ciudad, de un uso cultural de ámbito nacional que haga de Soria un punto de referencia, en este caso, del patrimonio y la cultura visual. Esta noticia culmina meses de gestiones y trabajo del Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Soria para concretar el contenido de este espacio cultural que, además, ya cuenta con una partida presupuestaria en las cuentas generales que asciende a cuatro millones de euros. Este anuncio, como ha explicado el alcalde, “recoge mucho trabajo, de muchas personas, que han hecho posible que hoy tengamos esta gran noticia”. Junto al centro de Soria se ha anunciado también un centro de innovación de Formación Profesional en Segovia confirmando ese objetivo de que el Gobierno tenga presencia en todos los territorios y que da continuidad a compromisos con nuestra ciudad como la implantación del Centro Nacional de Datos.

Hay que recordar que actualmente España no dispone de un Centro Nacional de Fotografía y que la creación de un espacio de este tipo cuenta con el respaldo de los creadores y profesionales de este medio artístico que recientemente han constituido una plataforma para promover su puesta en marcha.

El Banco de España está situado en la plaza de San Esteban, ahora denominada también Plaza de las Mujeres, aunque uno de sus laterales da a la plaza del Olivo. Ambas son plazas ubicadas en la mitad de la céntrica calle del Collado. La plaza de San Esteban se llama así porque allí se encontraba una iglesia románica desaparecida. Reformada a finales del pasado siglo XX, contiene otros edificios señeros como el Centro Cultural Gaya Nuño. Junto a esta plaza, un olivo recuerda a la antigua huerta situada en este lugar. Por eso la pequeña plaza unida a la de San Esteban recibe este nombre. En esta plaza también se encontraba la pensión ‘Las Isidras’, donde residió dos años Gerardo Diego cuando era profesor del cercano instituto, hoy llamado Antonio Machado, entre 1920 y 1922.El edificio del Banco de España ocupa el solar que dejó el antiguo palacio de los Vinuesa, conocido vulgarmente como palacio de los condes de Santa Coloma.

El edificio dejó de ser la sede del Banco de España el 31 de diciembre de 2002. Tras una primera propuesta de rehabilitación como Subdelegación, en 2004, mediante Acuerdo de Consejo de Ministros de fecha 6 de mayo de 2005, se aprobó el PAES. El Plan recogía que la antigua sucursal del Banco de España se transferiría al Ministerio de Cultura, para que fuera destinada a finalidades culturales.

En 2010, se iniciaron los trámites para la redacción del proyecto definitivo para su uso cultural, que se licitó en el mes de diciembre de ese mismo año, después de un proceso complejo para compensar los intereses del Catastro y del Ministerio de Cultura. En octubre de 2011 se licitó la obra por 5,4 millones de euros por parte del Gobierno. Antes de concluir la legislatura se completó todo el proceso administrativo para la rehabilitación total del edificio y su conversión en un Centro de Fotografía.

Las obras comenzaron en febrero de 2012, pero, sin embargo, ya con cambio de legislatura tras las Elecciones, se pararon en enero de 2013 y se rescindió el contrato con la empresa adjudicataria. En 2015 se aparca el uso cultural y se retoma el proyecto de uso administrativo sumando años de parálisis de la intervención.

Con la nueva legislatura, se retoma su uso cultural y se recoge en los Presupuestos generales del Estado una partida de 4 millones de euros. El anuncio de hoy sienta las bases para poder licitar las obras con ese ansiado contenido cultural como Centro Nacional de Fotografía.

Con esta buena noticia se cumple una vieja reinvindicación de las asociaciones fotográficas más importantes de nuestro país.

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Hoy os compartimos sinergias que llegan al mejor de los puertos, en este caso, a uno del mar cantábrico en su paso por Asturias.

El próximo 23 de noviembre de 2021 mucha será la Familia EFTI que esté en los cines Yelmo de Gijón, porque es allí donde se realizará el estreno del cortometraje El último comienzo, porque… ¡forma parte de la programación oficial de la 59º edición del Festival Internacional de Cine de Gijón!

Pero, ¿por qué estamos tan contentos?

Porque por fin este mes de septiembre un grupo de alumnos EFTI se trasladó al precioso pueblo de Andrín (en Llanes, Asturias) para rodar esta pieza. Una historia que se comenzó a escribir hace casi ya 4 años y, a la que han estado dándole vida y forma junto a la productora [pico tres cine] del cántabro Jesús Choya.

Los directores son dos alumnos de nuestro Máster en Dirección en Fotografía, sí, pero de promociones distintas y, es que como solemos decir, hay mucha vida en EFTI más allá de las aulas, se trata de la avilesina Gloria Gutiérrez Asla y Jorge Delgado. Nombres también conocidos los que conforman el departamento de dirección de fotografía junto a la interpretación de una de nuestras alumnas, Marta Guillén, del Máster en Dirección y Realización en Cine.

Además, este cortometraje cuenta con nuestra colaboración como Centro Internacional de Fotografía y Cine, la Film Commission de Asturias y el Ayuntamiento de Llanes.

El último comienzo transcurre en las caóticas últimas horas del planeta; Marta y Jaime hacen match en una aplicación de citas. Sin tiempo para apenas pensar, se citan en la casa de él, en un pueblo solitario cerca del mar, para pasar juntos y alejados de todo, el fin del mundo. Pero... ¿cómo saber cuál es el final correcto de entre todos los posibles? 

Nórdica, último fotolibro de Luis Vioque

Luis Vioque es un autor experimentado tanto en la exhibición de sus obras en exposiciones como en la edición de fotolibros. En este vídeo nos presenta su quinto libro de fotografías, Nórdica, que comparte el género y la forma de los anteriores: paisajes panorámicos.

A lo largo de los años Luis Vioque ha ido definiendo un estilo y un lenguaje propio en su obra. Hace tiempo que se centró en el paisaje y dentro de ese género ha preferido buscar en el blanco y negro su forma de estilizar y destilar el lenguaje de las formas de la naturaleza.

Igualmente, otra de las características formales que definen su producción artística es el empleo del formato apaisado no para algunas imágenes, sino para la totalidad de las obras.

Pudimos hablar con Luis Vioque en la primera edición de la Feria del Libro Fotográfico que organizó Est_Art en su sede de Alcobenbdas (Madrid) y que permitió al público asistente conocer una importantísima muestra de los fotolibros de autor que se están realizando en toda España, al tiempo que tuvieron la oportunidad de hablar y comentar las obras con sus autores.

En el marco del aniversario N° 67 de la ciudad termal se expusieron sus fotos y la de otros artistas y vecinos de la localidad

En la jornada de este lunes 6 de septiembre, Las Termas de Río Hondo celebra su aniversario N° 67 de vida institucional. Como parte de las actividades que se realizaron, el Ente Municipal de Turismo, llevó a cabo una Muestra Fotográfica Digital denominada “Retratos de ayer y de hoy” que contó con la participación de Enrique y Oscar Sánchez quienes crearon la página de Facebock “Fotos Antiguas de Termas” y del Arq. Ramón Lencina, un estudioso y difusor de la historia local.

Durante esta exposición, se presentaron fotos tomadas en Río Hondo por Annemarie Heinrich quien, para muchos, es la mejor retratista del siglo XX en Argentina y una de las pioneras de la fotografía. De origen alemán, Annemarie llegó a Entre Ríos en 1926. Su tío le enseñó a tomar fotografías y con el tiempo puso su estudio en Buenos Aires. 

“Desde la década del 30, se rodeó de artistas de todas las disciplinas: actores y actrices de cine, estrellas de radio, cantantes de de ópera, bailarines de ballet y de tango, y comenzó a retratarlos. Gracias a que la industria del cine y de la radio estaban en auge en ese tiempo, sus fotografías fueron muy cotizadas en revistas de espectáculo como Sintonía, Radiolandia o El Hogar, por lo que llegó a ser conocida como la inventora de un nuevo género en la Argentina: el «retrato de famosos. Detrás de su cámara posaron los rostros de Tita Merello, Norma Aleandro, Alfredo Alcón, Graciela Borges, Luis Brandoni, Mercedes Carreras, Graciela Dufau, Victor Laplace, Mirtha Legrand, Bárbara Mujica, Lautaro Murúa, Palito Ortega y Evangelina Salazar, Marilina Ross, Soledad Silveyra, Enrique Liporace, y Eva Duarte de Perón” (resumen sus biógrafos).

De visita en Las Termas

En la década de 1950, se realizó el Primer Festival Nacional de Cine en Las Termas. El certamen convocaba a directores, técnicos y figuras nacionales que recibían los premios “Homero Manzi”. Se trataba de jornadas donde la ciudad termal se transformaba en la capital del cine argentino. El 27 de julio de 1958, año en el que la ciudad elegía por primera vez Intendente y concejales, Annemarie realizó una exposición de fotografías denominada “Historia del Cine Argentino”.

Mientras realizaba esta actividad, se alojó en un hotel, recorrió las calles de tierra de un pueblo que comenzaba a transformarse en ciudad, y capturó algunas imágenes que forman parte de la identidad termeña: mujeres vendiendo pescados, canastos, verduras, frutas; hombres a caballo, un burro atado, gallinas, gente de parajes rurales de Las Termas ofreciendo sus productos y servicios a turistas por la zona del bajo, donde antes se encontraba el centro de la localidad.

Son fotos artísticas de un paisaje pueblerino que seguramente habrá llamado la atención de esta artista que venía de la gran ciudad.

Aunque tenía muchos años de historia, Las Termas recién comenzaba a vivir como ciudad autónoma. En esa fecha, en locaciones termeñas, Hugo del Carril, uno de los actores más populares de la época, filmó la película “Las Tierras Blancas”. En 1960, una producción española-argentina filmó “Hijo de Hombre”. La película estaba dirigida por Lucas Demare, el guion pertenecía al poeta Augusto Roa Basto, y recibió premios en el “Festival Internacional de San Sebastián”.

Con sus contrastes entre pueblo y ciudad, Las Termas comenzaba a ser escenario de proyección nacional.

‘Bloqueado’, de Alejandro Prieto, resalta entre más de 22.000 imágenes inscritas en el concurso de la Sociedad Internacional de Fotógrafos de Naturaleza y Vida Silvestre.

Un correcaminos detenido frente al muro entre México y Estados Unidos es la imagen con la que el mexicano Alejandro Prieto (Guadalajara, 1976) ha triunfado como Mejor Fotógrafo de Aves de 2021. Seleccionada de entre más de 22.000 fotos, Bloqueado cuenta “una importante historia de la fragmentación del hábitat y cómo estructuras como el muro fronterizo pueden evitar que la vida silvestre migre y se traslade a otras áreas”, han destacado los organizadores del principal concurso de fotografía de aves en el mundo. “La valla domina la imagen, con el correcaminos aparentemente impotente y pequeño en el marco”, han resaltado.

La fotografía tomada hace dos años cerca del poblado de Naco, en Arizona, representa, según su autor, “la fragilidad y la inocencia de la vida salvaje frente al lado oscuro del ser humano”. Para capturar la imagen, Prieto pasó casi 16 meses observando la interacción de la naturaleza con el muro. “Fue un momento fugaz pero lleno de emociones”, ha recordado. “Iba conduciendo por la frontera del lado estadounidense cuando de repente apareció un correcaminos, cruzó hasta la mitad de la carretera, se detuvo por un momento, lo justo para poder tomar algunas imágenes, mirando la pared con alambres, y luego regresó por el mismo lugar de donde había aparecido”, ha descrito

Prieto ha relatado que la idea de fotografiar la vida silvestre en la frontera surgió ante la falta de atención a los problemas que el muro fronterizo ha provocado a los animales que viven en el área. “Este lugar es el hogar de más de 1.500 especies de animales y plantas, y el hecho de construir un muro a lo largo de 2.000 millas me pareció una locura, sentí que necesitaba dar voz a todas estas criaturas”, ha expresado. No obstante, trabajar durante más de un año en esta zona fue peligroso y difícil. “Tuve algunos encuentros difíciles con traficantes de drogas, enfrenté el acoso de la patrulla fronteriza, el robo de cámaras y condiciones climáticas extremas”, ha indicado.

El título Bloqueado corresponde a la realidad que viven las especies, muchas de ellas en peligro de extinción, como el borrego cimarrón, el berrendo y el jaguar. “Estos animales necesitan moverse libremente de un lugar a otro para encontrar comida, agua, pareja o mejores condiciones climáticas”, ha advertido el fotógrafo especializado en vida silvestre desde hace 20 años. Con la misma imagen, Prieto también se llevó el oro en la categoría Aves en el Medioambiente, así como un premio por 6.8000 dólares.

“Mi meta en la vida es difundir un mensaje de conservación de la naturaleza”, ha compartido el también ganador del segundo lugar del World Press Photo 2020, en la categoría Naturaleza. “Me siento muy feliz de poder enviar este mensaje a muchas personas, gracias a este tipo de plataformas mi trabajo se puede ver en todo el mundo”, ha añadido. El objetivo del popular concurso internacional de fotografías es celebrar la vida de las aves de todo el mundo y promover su conservación.