Luz y Tinta. La revista de Moldeando la luz

 

 

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LAS BICICLETAS SON PARA TODO EL AÑO. GANADORAS

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Después de una semana delirante  con todo tipo de bicicletas donde los moldeadores subieron 218 fotos sobre este apasionante tema, unilateralmente durante la misma semana se ha celebrado el concurso. Todos han podido subir y seleccionar su foto al certamen fotográfico , han sido 42 los moldeadores que han decidido participar con sus singulares bicicletas. La pasada semana se han ido celebrando las votaciones en las que han podido participar todos los moldeadores.  El resultado de las elecciones han sido las siguientes:

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La foto B030 de Marta Gómez Soriano  17 votos.

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La foto B001 de Grecia Blanc                   13 votos

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La foto B016 de Aleksandre Batuka        13 votos

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La foto B006 de Ilona      10 votos.

Por lo tanto felicidades a los vencedores del 1º Concurso sobre “Las bicicletas son para todo el año”. 2012

1º Premio. Marta Gómez Soriano

2º Premio . Grecia Blanc

2º Premio. Aleksndre Batuka

3º Premio Ilona.

Votaciones

Total votantes                            47

Total votos emitidos:              141

votos nulos                                  0

Los ganadores recibirán el correspondiente diploma y el sello que acredita su premio en la red.

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Un fotógrafo que peinó la piel de toro

3050163395?profile=originalPara Rafael Sanz Lobato fue tan importante su cámara como su coche seiscientos. Gracias a ambos, cada fin de semana podía escapar de Madrid para documentar los rostros y los ritos de los pueblos de un país entonces virgen para una nueva fotografía. Sanz Lobato (Sevilla, 1932) recibía ayer el Premio Nacional de Fotografía por una obra que, según el jurado, "constituye un puente entre la nueva vanguardia neorrealista de la posguerra y los métodos de observación fotográfica posteriores al 68".3050163824?profile=original

El proyecto de Sanz Lobato quedó silenciado por las luchas de poder que desde el franquismo se impusieron en la Real Sociedad Fotográfica, en la que ingresó en 1961, con 29 años. "Ya no era tan joven. Tenía una cámara y una ampliadora, pero no me había atrevido a enfrentarme al documentalismo". El fotógrafo lamenta cómo toda una generación quedó marginada: "Nos consideraban unos desarrapados sin obras. Fuimos víctimas de una gran cacicada, durante y después del franquismo".

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En aquellos años todo estaba por descubrir y por hacer. "Lo que mandaba era el concursismo y los salones de fotografía. Un estilo amanerado, salvo en Cataluña. Pero en Madrid estábamos dejados de la mano de Dios. Nadie sabía lo que era un proyecto fotográfico. Era una fotografía inválida". Por eso, desde el grupo La colmena, Sanz Lobato fue pionero de un documentalismo fotográfico que encontraría en Cristina García Rodero su mejor heredera ("Ella llegó 10 o 15 años después para ganarnos a todos").

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Pero la importancia memorialista del proyecto de Sanz Lobato no ha dejado de crecer. Su cámara recogió la transformación de las culturas rurales y populares. Un mundo hoy desaparecido que solo podrán estudiar y conocer las próximas generaciones gracias al empeño de hombres como él. "No me gustaba Madrid, así que me compré a plazos el seisncientos y empecé a pisar la piel de toro. Iba a todas partes: Galicia, Extremadura...3050165651?profile=original

 La gente de campo era maravillosa. Al principio salíamos en grupo. Pero cuando nos dimos cuenta de que todos sacábamos el mismo niño con mocos empecé a viajar solo". Durante esos años, Sanz Lobato trabajó en una empresa de maquinaria pesada o al frente del plan expansión de otra compañía. "He hecho de todo. Pero cuando llegaba el sábado me iba, al campo, con la cámara, y así hasta volver el domingo, de madrugada, justo para entrar otra vez la oficina".

 

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS - Madrid - 27/10/2011

© EDICIONES EL PAÍS, S.L. - Miguel Yuste 40 - 28037
Madrid
(España)

 

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El latido de los Apalaches

 

 

El fotógrafo estadounidense Shelby Lee Adams muestra en EFTI una selección de imágenes que documentan la vida en la zona montañosa del este de EE UU, un proyecto en el que trabaja desde hace tres décadas 3050155422?profile=original

Enfrentarse a un estereotipo requiere valentía. Intentar desmontarlo, paciencia y perseverancia. El fotógrafo estadounidense Shelby Lee Adams lleva 36 años haciéndolo con uno de los más arraigados en la mente de sus compatriotas: el hillbilly, el paleto de las montañas Apalaches, pobre, ignorante, con una prole numerosa, bebedor de licores que destila ilegalmente en alambiques caseros, propenso a la riña, endogámico y, por tanto, con más riesgo de sufrir atraso mental. Todo empezó cuando Adams, aún adolescente, empezó a viajar por el este de su estado natal de Kentucky -los Apalaches se extienden, además, por Tennessee, Virginia, Maryland, Virginia Oeste y Carolina del Norte- con su tío médico, también oriundo de la zona.

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Pronto se dio cuenta de que, más allá de las ideas preconcebidas, la gente de aquellas montañas tenía tales peculiaridades que los hacían únicos. "Prácticamente todos los valles tienen su propio acento al hablar, una diversidad cultural y un forma de vivir diferente en cada valle. La música es una de las herramientas que más se comparte, casi todas las familias tienen alguien que toca o canta la música de las montañas. La religión es una forma apasionada de expresión personal creativa. La familia, y no el individuo, es lo más valorado, y la tierra en la que se nace crea fuertes raíces simbólicas", explica el fotógrafo. La Escuela de Fotografía Centro de Imagen EFTI ha recogido en la exposición Salt and truth (Sal y verdad) 70 imágenes del fotógrafo.

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Siguiendo la estela de Walker Evans o Dorothea Lange, cuyo trabajo para la Farm Security Administration (FSA) retrató la dureza de las condiciones de vida de la población rural estadounidense durante la Gran Depresión, Adams se acerca a los habitantes de los Apalaches con igual rigor. Pero, a diferencia de aquellos, no se queda fuera, establece lazos de afecto con los sujetos que fotografía. "En la actualidad estoy fotografiando la tercera y hasta la cuarta generación en algunas familias de las montañas", señala el autor. Esa cercanía se ha plasmado en un método de trabajo que implica trabajar con una cámara de gran formato sobre un trípode y equipo de iluminación. Primero toma polaroids y discute las imágenes con sus protagonistas: no dispara la cámara hasta que todos están de acuerdo. Así trabaja desde 1974. "Este simple proceder a lo largo del tiempo ha contribuido a generar una confianza en mí y en mi fotografía. Los niños han crecido viendo mis fotografías colgadas en las casas de sus padres y de sus abuelos. Esperan que yo les fotografíe, ni siquiera se establece una conversación, es simplemente algo que hacemos, es lo que yo llamo una relación sin costuras", explica. En 1993 publicó su primer libro, Appalachian Portraits (Retratos de los Apalaches) en 1998 apareció Appalachian Legacy (El legado de los Apalaches) en 2003 Appalachian Lives (Vidas de los Apalaches). Este año saldrá a la luz Salt and truth (Sal y verdad).

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Las imágenes están preparadas, hay una escenificación, una iluminación, pero ello no les resta ni un ápice de verdad. En 2002, la cineasta Jennifer Baichwald registró el complejo vínculo entre Adams y sus sujetos en el documental The true meaning of pictures. Son escenas que conducen al espectador a un territorio incómodo a primera vista, pero cuya intención es acercarlo, romper la barrera del prejuicio e invitar a una aceptación sin condiciones de la diferencia: "El propósito de mi trabajo es extender la aceptación del otro, especialmente de aquellos que se salen de lo convencional, expandir la tolerancia y la diversidad de la humanidad que tanto física como mentalmente son diferentes de alguna forma y grado y apreciar a aquellos que son más dependientes, sin tener en cuenta sus circunstancias", indica Adams.

http://shelby-lee-adams-new.blogspot.com/

 

http://www.elpais.com/articulo/cultura/latido/Apalaches/elpepucul/20110921elpepucul_16/Tes


ISABEL LAFONT - Madrid - 21/09/2011

© EDICIONES EL PAÍS, S.L. - Miguel Yuste 40 - 28037
Madrid
(España)


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Revista de Moldeando la luz "LUZ Y TINTA",nº0

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Grandes Fotógrafos: Ian BERRY

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Ian Berry es un foto reportero inglés (1934 en Preston, Lancashire) que, a lo largo de su amplia trayectoria, ha documentado sucesos por todo el mundo, desde la invasión rusa de Checoslovaquia,  hasta los cambios políticos y las trasformaciones sociales en China, Sudáfrica  y en la antigua Unión Soviética.

 

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En 1952 realizó su primer viaje a Sudáfrica, un viaje que seguramente fue determinante en su profesión y que de alguna manera  marcó el principio de una trayectoria que le ha llevado a lo más alto del universo fotográfico. Es importante subrayar en la trayectoria  profesional de Ian Berry una idea eje en torno a la cual se mueve toda la magia de este genio de la fotografía.  Berry dice: “la fotografía es ante todo como una crónica social y documental cuya capacidad para informar sobre ciertas situaciones supera ampliamente a la de cualquier otro medio. Mi perspectiva es siempre “frontal”, es decir de contacto directo con el contenido circunstancial de mis imágenes”.


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En definitiva puede decirse que el trabajo de Berry se construye sobre la creencia firme de que la fotografía es un rápido, simple y efectivo medio de comunicación a un amplio espectro de la gente de todas clases y orígenes de una manera que el texto no podría hacerlo.

 

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En cierta medida puede afirmarse que el espectador lee en los testimonios gráficos de Berry con la misma precisión que podría hacerlo en un escrito cuidadosamente desarrollado. Da igual que las fotos de Berry traten de las revueltas de Sudáfrica o de la soledad de un vieja mujer. La sensación es siempre de que el ángulo de enfoque es capaz de lograr, con una precisión extrema y sea cual sea la distancia, aislar a los individuos y conseguir  que afloren las emociones en sus rostros.

 

En Sharpeville  ( 21 de marzo de 1960), cuando una protesta pacífica se tornó violenta, lo que lleva a la muerte de 69 personas y heridas a otras 178 por la policía, resulta que no hubo otras fotografías que documentaran los hechos, por lo que las instantáneas tomadas por Berry fueron consideradas en el procedimiento judicial como la prueba que demuestra  que las víctimas habían tenido un comportamiento pacífico y fueron tratadas con una violencia desmedida.

 

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A raíz de los hechos de Sharpeville,  Berry fue invitado,  en 1962,  por Henri Cartier-Bresson a unirse a Magnum Photos cuando la revista tenía su sede en París. Cinco años más tarde se convirtió en miembro de pleno derecho de Magnum . En 1964 se trasladó a Londres y allí siguió trabajando para  la revista. Desde entonces ha viajado por el mundo, documentando las luchas sociales y políticas en China, República del Congo, Checoslovaquia, Etiopía, Israel, Irlanda, Vietnam, y la ex Unión Soviética.

Ian Berry  ha contribuido en un primer plano  a publicaciones como Esquire, Fortune, Geo, Life, National Geographic, Paris Match y Stern.  También ha realizado 3 documentales para la BBC.

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Las fotografías de Berry han sido expuestas en todo el mundo. Actualmente , en el Centro Harry Ransom de la Universidad de Texas en Austin puede admirarse una espectacular e impresionante  Colección fotográfica de este excelente fotógrafo de reconocimiento mundial.

Berry  volvió a Sudáfrica varias veces y en 1990 documentó el colapso del apartheid y la elección de Nelson Mandela.               

Premios

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En 2005—National photography magazine award for lifetime achievement in photography _     En 1996—Made Honorary Fellow of the Royal Photographic Society _ En 1990—Made Honorary Fellow, University of Lancashire  _ En 1981—1981 Pix of Year, magazine news, Award from Missouri School of Journalism and National Press Photographers Association _  En 1977--Nikon Photographer of Year Award (first ever) _ En 1974—Awarded British Arts Council's first major photographic bursary (led to his book, The English) _ En 1969—Art Director's Club of New York Award _ En 1960--British Press Pictures, Feature Photographer of Year Award _ En 1959—British Press Pictures, Feature Photographer of Year Award _ En 1959—Nikon World Photo Contest Awards - 1st and 3rd

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Libros

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* The English - Los cambios sociales de su país ( Gtan Bretaña), ocurridos en su ausencia le motivaron para crear su libro The English en1978 _ * World Photography: 25 Great  _ *Photographers (Bryn Campbell) 1981 _ * Black and Whites: L'Afrique du Sud 1988 _ * Les grands travaux (con Martine Franck y Rene Burri) 1989 _ * In Our Time: The World As Seen by MAGNUM Photographers. 1990 _ * Living Apart 1996. _ * Ian Berry, I Grandi Fotografi, 2006 _     * Mar: A Pesca en Galicia, 2008 _ * Sold into Slavery, 2008

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Bibliografía  consultada:

Libros:

- “LA FOTOGRAFÍA  DEL SIGLO XX”

Museum  Ludwing de Colonia

Edición: TASCHEN

Nota: El museo Ludwing de Colonia reúne una de las colecciones de fotografía más importantes del mundo: 800 obras de los aproximadamente 300 fotógrafos internacionales más famosos del siglo XX, desde ANSEL ADAMS hasta PIET ZWART. Una auténtica retrospectiva de la historia de la fotografía.

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- “El ABC DE LA FOTOGRAFÍA” - Phaidon - ed. 2007


Otras referencias

su página web www.ianberrymagnum.com (EN [68f]) // Ian Berry en magnumphotos (EN [50f]), http://www.ianberrymagnum.com  //  Ian Berry en worldpressphoto (EN [12f]) //  Ian Berry en photoeye (EN [4f]) // Ian Berry en facebook (EN [1f]). 

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GRANDES FOTÓGRAFOS: Publicaciones anteriores:

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ADAMS, Ansel

http://moldeandolaluz.com/profiles/blogs/ansel-adans-el-fotografo-que

http://moldeandolaluz.wordpress.com/2011/01/19/grandes-fotografos-ansel-adamas/

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ÁLVAREZ BRAVO, Manuel

http://moldeandolaluz.com/profiles/blogs/manuel-alvarez-bravo-el-poeta

http://moldeandolaluz.wordpress.com/2011/02/13/manuel-alvarez-bravo-serie-grandes-fotografos/

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DAVIDSON, Bruce Landon

http://moldeandolaluz.com/profiles/blogs/serie-grandres-fotografos

http://moldeandolaluz.wordpress.com/2011/03/25/grandes-fotografos-bruce-davidson/


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Retratos de Eladio Begega

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En la tarde del 16 de junio se inauguró en la Casa de Cultura de Pola de Laviana una exposición de retratos de Eladio Begega, muchos de los cuales hemos podido contemplar en Moldeando la Luz. En el acto de inauguración participaron la concejala Ana fernández, que representaba al Alcalde; el director del Museo del Pueblo de Asturias, Joaco López, promotor de la iniciativa, y el que esto suscribe, Francisco Trinidad, que hizo una semblanza del propio Eladio.

Asistieron a dicho acto varios de los fotógrafos de Moldeando la Luz, que levantaron acta gráfica del evento.

 

3050152845?profile=original3050153018?profile=originalEn la foto superior y de izquierda a derecha, Paco Trinidad, Eladio Bebega y José Luis Cuendia, "Guendy". En la inferior, los mismos, acompañados de José Luis García, dejan de constancia de una amistad que se mantiene desde hace más de 30 años.

 

En la presentación de la exposición tuve ocasión de leer las siguientes líneas que resumen una trayectoria fotográfica digna de ser destacada:

 

"

Hablar de Eladio Begega —simplemente Eladio para los amigos— es hablar sobre todo de dos realidades que cimentan su encuentro con la fotografía: por una parte, la tenacidad; y por otra, la insatisfacción.

La tenacidad es una constante en su vida. Nacido en El Condao (y es preciso decirlo desde el principio por la importancia que tiene en su obra) en tiempos difíciles, poco antes de la guerra civil del 36, hubo de sobreponerse en primer lugar a sus propias limitaciones físicas, fruto de un accidente y su posterior mala curación en momentos en que los médicos no asumían ningún tipo de responsabilidad por sus errores. Hubo de sobreponerse también a la incuria del momento en que le tocó vivir. Y hubo de sobreponerse sobre todo a un ambiente y a una sociedad que condenaba a los discapacitados o a quienes, como Eladio, tenían algún tipo de impedimento para incorporarse a una sociedad que marchaba en pos de ideales que no casaban con el bien de la mayoría y sólo acogían a quienes agachaban la cabeza y se sometían.

Eladio Begega, a base de tenacidad, se sobrepuso a todas estas limitaciones. Y a base de tenacidad consiguió hacerse fotógrafo, en un ambiente rural en que ni había academias ni escuelas ni nada por el estilo en que pudiera aprenderse una profesión que le ayudó a ganarse la vida —tuvo que fotografiar muchas bodas, banquetes y comuniones— y a ganarse un puesto entre los artistas de la luz.

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Tenacidad para aprender de sus propios errores y tenacidad para ir poco a poco conquistando parcelas al arte de la fotografía a base de insatisfacción, como dije al principio. Insatisfacción, sobre todo, que le ha llevado a ir subiendo escalones en el arte de la fotografía. Primero, en reportajes en blanco y negro que le servían para ir comiendo todos los días; después en fotos ganadas a pulso en el ambiente rural en que vivían y en las que iba dejando constancia de una forma de vivir ya perdida a través de  fotografías en blanco y negro que se han hecho clásicas; y luego, y como complemento, en fotos con voluntad artística, tanto en blanco y negro como en color, pulsando todas las posibilidades, como últimamente en que, adentrándose en los pliegues del Photoshop procura arrancarle a sus fotos todos los matices y sensaciones artísticas que adivina más allá del visor.

Esta tenacidad, para probar y probar hasta conseguir lo que busca; y esta insatisfacción para no conformarse nunca con lo conseguido son las características que convierten a Eladio Begega en un artista. Un artista de la fotografía, ya reconocido como tal para la posteridad, aunque a veces en su camino a la búsqueda de nuevas experiencias sus pinceles de luz chirrían y demuestran que todo es relativo y que probar no siempre es sinónimo de perfección, sino de camino, como dijo el poeta: se hace camino al andar, y al volver la vista atrás…

Pero Eladio Begega no es sólo fotógrafo, no es sólo artista de la fotografía. Es, como decimos en Asturias, un paisano, un hombre de los que se visten por los pies, como dice el tópico. Amigo de sus amigos, comprometido con la comunidad en la que vive y de la que ha salido muy pocas veces (recuerdo un viaje a Segovia al que le movimos entre José Luis Cuendia, José Luis García y yo y en el que a punto estuvo de desmayarse cuando se dio cuenta de la distancia que le separaba de su Condao), Eladio Begega es un hombre cabal que además hace fotografías y que no pierde los anillos cuando tiene que explicar a quienes empiezan cómo manejar un diafragma o cómo conseguir que lo que sea vea a través del visor se convierta en obra de arte.

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En esta exposición que hoy inauguramos se muestran una serie de retratos de la colección que alberga el Museo del Pueblo de Asturias. Siempre se ha dicho que el retrato es difícil de conseguir y que es una de las técnicas más complejas del arte fotográfico. Sin embargo, viendo estos retratos de Eladio da la sensación de todo lo contrario, como si al fotógrafo le resultara fácil retratar y como si a los retratados les resultara cómodo el posado que el fotógrafo le solicita. Y así es. Tanto el fotógrafo como los retratados se encuentran  cómodos: son vecinos, y amigos en muchos casos, acostumbrados a verse a diario y habituados a que Eladio dispare su cámara una y otra vez y les tome como modelos. Sólo así, desde esta proximidad, desde esta complicidad, es posible conseguir estos retratos en los que la luz de la mirada se hace protagonista y en los que en ningún momento asoma el más mínimo recelo ni desconfianza hacia quien, a través del visor de su cámara, enfoca un detalle de su cotidianidad; en este caso, el rostro de sus vecinos de El Condao."

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[Página de Eladio Begega]

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Manuel Álvarez Bravo-Mexico DF-1902-2002

"El arte siempre me interesó y viví con la ilusión, muy extendida en aquel entonces, de que la fotografia era el medio de expresión artistica más simple. Cuando recuerdo mis ensayos de aquella época en otros géneros artísticos, me doy cuenta de que finalmente, he encontrado mi camino. Manuel Alvarez Bravo"


3050146893?profile=originalHoja Caida , 1940 

“Y es que Manuel Álvarez Bravo fue cineasta antes que fotógrafo , un fotógrafo autodidacta  cuyos trabajos destacan por la belleza y la sencillez de la fotografía en Blanco y Negro, a lo que hay que añadir que Manuel tuvo siempre el don de transportar al espectador al mundo de lo simbólico. "Dicen que mi fotografía es poética. Yo siento que en la expresión uno puede tener momentos de cierto acercamiento poético que no tienen otras circunstancias cotidianasautodidactacineasta antes que fotógrafo”.

 

Una manera de VER y de MIRAR únicas

3050147075?profile=originalLa Hija de los Danzantes, 1933

Cuando empezó a fotografiar en los años veintes y treintas, su capacidad innata fue reconocida por auténticos Maestros de la lente como  Edward Weston, o Henri Cartier-Bresson. El respeto y admiración que proyectó queda patente en la siguiente respuesta de Cartier-Bresson cuando alguien notó semejanzas entre las imágenes  de Álvarez Bravo y la de Weston:  "No los compares, Manuel es el verdadero ". Bresson le conoció y  admiró su obra, una relación recíproca que podemos observar en algunas de las instantáneas Álvarez Bravo.

 

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Los Agachados 1934, una de sus fotografías emblemáticas 

"Los Agachados": cinco hombres de espaldas en un humilde comedor. Sus cabezas casi han desaparecido debido al efecto causado por la sombra de una cortina metálica. Los comensales descansan sobre bancos cuyas patas están atadas con una cadena.


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Día de todos muertos-1933

El ojo único de Álvarez Bravo era tal que el fundador del surrealismo, André Breton quedó fascinado de su obra y fue quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato. Bretón lo llamó poeta de la lente”, apelativo con el después numerosos críticos se referían a su obra y dijo de él: “mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico Manuel sabe expresar  la esencia de México, pero la mirada humanista que refleja su obra, las referencias estéticas, literarias y musicales que contiene, lo confieren también una dimensión universal”.

 

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El Ensueño 1976

Andrés Bretón le encargó  en 1938 la  imagen de portada del catálogo de una exposición surrealista en París.  El fotógrafo participó  con su conocida imagen, (“La buena fama durmiendo”).

 

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La Buena Fama Durmiendo 1939

Álvarez Bravo Se convirtió casi de manera natural en un fotógrafo de imágenes anti estereotipadas, nadando a contracorriente de los clichés establecidos, utilizando la ironía visual para contradecir lo que aparentemente decía al principio, y para interesar  así e invitar A VER a quien le MIRA  sus fotos con la intención de interpretarle.

 

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Sed Pública, 1934

Esta imagen contiene todos los elementos necesarios para ser pintoresca: Pero, la luz en la imagen parece concentrarse en el pie que se encuentra en un primer plano, un pie demasiado particular, demasiado individual para poder representar a los campesinos mexicanos, y su otredad o forma de ser y de vida. La otredad aparece como  una condición constante en el arte de Álvarez Bravo, pues en su obra se percibe una  búsqueda permanente de propuestas, ideas y recursos nuevos.  Es el pie de este niño, no un pie de campesino típico mexicano,  consiguiendo  así una imagen única con sus  propias particularidades.

 

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El Señor de Papantla, 1934

Se puede apreciar una táctica similar en Señor de Papantla (1934), en la cual un indígena está parado

frente a la cámara aunque no la mira, con la espalda contra la pared. Ocurre como con la imagen del niño: una vez que ha conseguido que nuestro pensamiento se incline hacia lo exótico, el fotógrafo  nos demuestra que va a contracorriente  con un arte que rechaza lo fácil. El indígena no se digna mirar a la cámara. (normalmente  se piensa que captar a la gente que mira a la cámara es la estrategia estética más efectiva para representarla de una manera más activa), pero para él no lo es. Aquí, Álvarez Bravo da otra vuelta a la tuerca al presentarnos a un indígena quién, al apartar la mirada, parece decir despectivamente, "Puede sacar todas las fotos que quiera, forastero". ¿A quién le importa lo que usted haga?".

 

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Obrero en Huelga asesinado, 1934

Siempre se habla de lo político de Álvarez Bravo con relación a su fotografía más famosa, Obrero en huelga asesinado (1934. Su significado está determinado por el título adscrito a ella, el cual podría haber sido influido por el compromiso de Álvarez Bravo con la LEAR (Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios durante los años treinta.


3050147997?profile=originalLa de las bellas artes 1933

La obra de Manuel Álvarez en su conjunto está impregnada de un realismo lírico, a pesar de la crudeza de algunas de sus imágenes. Nunca ocultó sus ideales políticos progresistas. Manuel Álvarez consigue llevar a los espectadores de sus imágenes un poco más allá de lo que miran a simple vista. En el fondo de sus obras desarrolla un áurea no identificable, un ambiente donde no termina de aparecer claro lo que es real de lo que parece fantástico, es eso a lo que el arte le llaman realismo mágico

 

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Fruta Prohibida , años 70

Sus objetos  parecen  haber nacido  a través de una retórica visual llamativa. De ahí que algunas de sus fotos, tengan  una estética sumamente templada que evita la expresividad evidente, una técnica casi invisible diseñada para captar a la gente anónima en situaciones muy particulares.

 

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La otra mamá 1940

Su ironía insistentemente ambigua, y su rescate de la gente común y su subsistencia cotidiana ha marcado Álvarez Bravo un camino de altas exigencias para los fotógrafos de América Latina y a nivel mundial. Manejaba de forma simultánea  lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a que construya sus propios significados. Sus imágenes en apariencia parecen simples, pero es solo en apariencia, porque suelen tener un sentido compositivo magnífico y una fina ironía, en definitiva, una manera de VER y de MIRAR únicas.

 

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El Umbral, 1931

No sólo conocía el valor eterno de lo fotografiado, también tenía el instinto de oportunidad de todo buen reportero gráfico. La pasión por los valores populares y, sobre todo, la búsqueda de la pureza indígena llenan de vitalidad la obra de este fotógrafo.

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Tentaciones en la casa de Antonio, 1970

La muchacha mirando pájaros, pareciera atisbar el infinito buscando algo. Se tapa del sol para ver mejor. Tras ella un portón colonial, que recuerda el peso cultural de lo español. La niña ignora lo que tiene detrás, tapa el brillo del sol con su brazo y mira los pájaros. viendo la vida urbana y de los pueblos con otros ojos, cargados de imaginación.

 

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Muchacha mirando los Pájaros, 1931

Las fotos de Álvarez Bravo cuentan un secreto de tradiciones, ilusiones y fracasos, transportándonos a nuestra infancia. Torna sus fotos en poesía y llega a lo más profundo del corazón. Manuel Álvarez Bravo es un hipersensible, de mentalidad incisiva y profunda, abierta a toda experiencia y propicia a toda inquietud. la poesía discreta y profunda, la ironía desesperada y fina, emanan de las fotos de Manuel álvarez Bravo , la fuerza visual de su obra, su maestría utilizando el blanco y negro y los tonos de la luz difusa o bien los contrastes lumínicos, nos transportan en algunos casos a un mundo mágico, en otros onírico y en la mayoría de las veces a un ámbito poético.

 

3050148647?profile=originalMontaña Negra, Nube Blanca - (Octavio Paz dedicó un poema a esta foto)

 

CARA AL TIEMPO (poema de Octavio Paz)


Fotos,  tiempo suspendido de un hilo verbal:Montaña negra/nube blanca. Muchacha viendo pájaros. Los títulos de Manuel no son cabos sueltos: son flechas verbales, señales encendidas.

El ojo piensa, el pensamiento ve, la mirada toca, las palabras arden: Dos pares de piernas, Escala de escalas, Un gorrión, ¡claro!, Casa de lava.

Instantánea  y lente mente: lente de revelaciones. Del ojo a la imagen, al lenguaje, ida y vuelta.
Manuel fotografía, nombra esa hendedura imperceptible entre la imagen y su nombre, la sensación y la percepción: el tiempo.

La flecha del ojo justo en el blanco del instante. Cuatro blancos, cuatro variaciones sobre un trapo blanco: lo idéntico y lo diferente, cuatro caras del mismo instante.

Las cuatro direcciones del espacio: el ojo es el centro. El punto de vista es el punto de convergencia. La cara de la realidad, la cara de todos los días, nunca es la misma cara.

Eclipse de sangre: la cara del obrero asesinado, planeta caído en el asfalto. Bajo las sábanas de su risa esconden la cara. Las lavanderas sobrentendidas, grandes nubes colgadas de las azoteas.

¡Quieto, un momento!: El retrato de lo eterno: en un cuarto oscuro  un racimo de chispas sobre un torrente negro el peine de plata electriza un pelo negro y lacio.

El tiempo no cesa de fluir,  el tiempo no cesa de inventar, no cesa el tiempo de borrar sus invenciones, no cesa el manar de las apariciones.

Las bocas del río dicen nubes, las bocas humanas dicen ríos. La realidad tiene siempre otra cara, la cara de todos los días, la que nunca vemos, la otra cara del tiempo.

Manuel: préstame tu caballito de palo para ir al otro lado de este lado. La realidad es más real en blanco y negro.

Tomado del libro Vuelto: Seix Barral, México, 1976.


3050148503?profile=originalParábola óptica, 1931

Manuel  nos enseñó a todos a ver la fotografía de otra manera, encontró la belleza  en objetos tan comunes como un colchón o un plumero. La de Manuel Alvarez Bravo es una visión de ayer, hoy y siempre. El misterio de su mirada es poder individualizar lo que parece irrepetible, incluso folclórico, y convertirlo en un espacio simbólico. Así queda reflejado en la mayoría de sus imágenes. Veamos algunas más que complementan esta reseña sobre este gran "Maestro de los Ojos",  como solía decir Sergey Eisenstein cuando se refería a él. La puerta queda abierta para que los interesados en el tema puedan profundar en la vida y obra de Álvarez Bravo.

 

ALGO MÁS DE SU GALERÍA


Castillo en El Barrio del Niño-1970

3050148688?profile=originalPlumero 1934

3050148524?profile=originalSheets 1933

3050148854?profile=originalretrato de lo eterno, 1935

3050148788?profile=originalEstudio de Manos de Tamayo, Mexico 1931

3050148847?profile=originalla tierra misma 1930

3050148887?profile=originalUn poco alegre y graciosa, 1942

3050148926?profile=originaltrabadores del fuego 1934

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Premios


Ha recibido todos los premios y reconocimientos a los que un artista puede aspirar entre los que cabe destacar: la beca Guggenheim, el Sourasky Art Price por la Secretaría de Educación Pública, el título de Maestro de Fotografía por el International Center of Photography de Nueva York, el premio Hugo Erfurth Internacional Photography por parte del gobierno de Leverkusen (Alemania), Premio internacional de la fundación Hasselblad por Suecia en 1984, el Premio Peer por parte de Friends of Photography de San Francisco, el Premio Nacional de Arte (México)...Su obra ha sido exhibida en más de 40 exposiciones, tanto individuales como colectivas, y se encuentra en las colecciones de los más importantes museos, como el George Eastman House, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el Pasadena Art Museum.

Publicaciones

-Desde octubre del 2009 y con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) la Asociación Manuel Álvarez Bravo desarrolla una investigación bibliográfica y hemerográfica dedicada a su obra publicada . Es la primera etapa de un libro previsto para octubre del 2012, a diez años del fallecimiento del Fotógrafo.

-Junto a Octavio Paz publica "Instante y Revelación", que incluye 30 poemas de Octavio Paz y 60 fotos de Álvarez Bravo.

Su trayectoria en el cine

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930). Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas), y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada).

Elucubrar sobre qué habría sucedido si Sergei M. Eisenstein hubiese logrado terminar el rodaje y la edición de ¡Que viva México! puede parecer una empresa ociosa. Sin embargo, esta inquietud ha permanecido a lo largo de la historia del cine mexicano, especialmente porque aún hoy las secuencias  del cineasta soviético conservan el poder y la frescura de una de las grandes obras del cine mundial. ¡Que viva México! fue un proyecto que se vio nutrido de un gran número de fuentes artísticas netamente mexicanas. No es aventurado afirmar que en ¡Que viva México! se sintetizó lo mejor de la plástica mexicana del siglo veinte. Diversas investigaciones acerca de esta obra enfatizan la deuda explícita que Eisenstein tuvo con el pintor Diego Rivera o el fotógrafo Manuel Álvarez Bravo, ya que es evidente la presencia de  varias de las imágenes de Álvarez en la película de Sergei Mikhailovitch Eisenstein. A pesar de la injusticia cometida en contra de su autor, la obra logró escapar de las ineptas manos de quienes se empeñaron en aniquilarla y consiguió llegar a representar uno de los proyectos fílmicos más trascendentes de la historia del cine Mexicano.

 

3050148986?profile=originalcanasta de luz flor_garduno 1989

Documentación  consultada


Libros:"La Fotografía del siglo XXI" - Museo Ludwing de Colonia - TASCHEN

Sitios web: 

 http://www.manuelalvarezbravo.org/espagnol/Biografia.html 

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_%C3%81lvarez_Bravo
http://www.enfocarte.com/5.26/bravo.html
http://www.elangelcaido.org/fotografos/mabravo/mabravocom.html
http://tierra.free-people.net/artes/fotografia-manuel-alvarez-bravo.php

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GLOSARIO GRANDES FOTÓGRAFOS EN WORDPRESS-LETRA "A"

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Serie Grandres Fotógrafos: Bruce Landon Davidson

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Davidson, Bruce Landon  es un fotógrafo estadounidense nacido en Oak Park (Illinois) en 1933.

Hijo de madre soltera. Con 10 años su madre le montó un cuarto oscuro en casa y comenzó a hacer fotografía paseando libremente por las calles de su barrio.

* Estudió fotografía en el Rochester a comienzos de los años cincuenta y luego continúo sus estudios en la Universidad de Yale.

* Ttrabajó como fotógrafo independiente en Nueva York, Los Angeles y París, y publicó en revistas internacionales tan prestigiosas como Life, Esquire o Vogue, al tiempo que desarrollaba de modo paralelo una brillante carrera como profesor de fotografía en diversas instituciones del país.

* En París se encontró con Henri Cartier-Bresson y entró como miembro de la Agencia Magnum en 1958.  A partir de este momento sus fotografías se alejaron del mundo de la moda para centrarse más en el reflejo de la sociedad del momento. Y es entonces cuando nacen los grandes “Proyectos Fotográficos” de Bruce Davidson:

_ EL PROTECTO “Brooklyn Gang y The Dwarf”

_ EL PROTECTO “East 100th Street” (también fue expuesto en el MOMA).

EL PROYECTO Subway sobre el metro de Nueva York.

_ EL PROYECTO “Central Pank, un maravilloso homenaje a la Ciudad de Nueva York

 3050146380?profile=original DAVIDSON, a través de su objetivo, aportó su visión particular del desarrollo de una juventud, la americana de la época, en constante ebullición. Este fotógrafo siempre centra su interés en personas que viven periodos de transición o de búsqueda de significados: humaniza la sociedad que retrata, y lejos de presentarlos como objetos de compasión, él les otorga vigor y vitalidad, su visión de la vida, sus luchas y sus emociones…

 

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DAVIDSON retrata con maestría emociones como la soledad, la desesperación, el amor, la determinación y la incertidumbre. Su  realismo induce a la preocupación social y la simpatía de extraños.

 

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Este tipo de documentación y sus características es especialmente evidente en el material de  los proyectos enunciados: “Brooklyn Gang y The Dwarf”, “East 100th Street” y "Subway ", “Central Pank", y su crónica de “Lucha por los derechos Civiles”.

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BROOKLYN GANG

 3050147204?profile=originalEn 1959 Bruce Davidson realizó su primer proyecto fotográfico, un reportaje sobre una banda juvenil de Brooklyn, The Jockers. Durante varios meses siguió sus pasos en las calles, captando su estilo de vida y motivaciones, su identidad grupal, su ubicación en el entorno, la estética rebelde al modo de James Dean, sus primeras relaciones amorosas, la transición de la juventud a la edad adulta. Una nueva modalidad de juventud que nacía como reducto marginal y conformaba su estética bajo los nuevos sonidos del rock ‘n roll y el juke box.

 

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Pero en esta ocasión, la felicidad autoimpuesta por los nuevos ritmos tan sólo aparecía como desidia o frustración. Es el otro lado del sueño americano, que Robert Frank supo retratar con tan intenso efecto en su libro The Americans (1955).

EAST 100,th STREET (CALLE 100) 


 3050147338?profile=originalEste proyecto de Davidson “East 100th Street” (Este de la calle 100), sigue siendo un clásico de la documentación sobre los guetos estadounidenses. De trata de un trabajo honesto y emocional en el que realmente el fotógrafo se aventura a implicarse en la vida de los residentes, su resistencia frente a la pobreza, el aumento de consumo de drogas, la delincuencia, el deterioro y abandono…

 

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Davidson  explora todos los aspectos, espacios interiores y la vida en la calle, acercándose a todo con un nivel de dignidad y respeto. En este trabajo, puede admirarse el ojo fotográfico de Davidson y su capacidad para detectar pequeños detalles que muchos otros munca vieron…o no quisieron ver.

CENTRAL PARK 


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Davidson  utiliza Tanto el “Parque Central” como la vida en “El Metro” como metáforas de una experiencia humana más amplia, el escaparate de imágenes un tanto surrealista y de extrema diversidad,  una especie de teatro de la conducta humana. Las imágenes, cargadas de efectos de iluminación y color, muestran el ambiente de  los bajos fondos de Nueva York,  a la vez que acentúa los más bellos detalles del día a día… En el proyecto “Parque Central”, Davidson (al menos aparentemente) presenta un cambio de estilo (que no es tal). En el “Central Park” incide en presentar el parque como un lugar mágico y etéreo, un lugar de la renovación,  en el centro de un de las ciudades más grandes del mundo: para ello Davidson muestra una convergencia de personas de clases y orígenes completamente diferentes.

Crónica sobre Derechos civiles


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Davidson acumula una documentación del Movimiento de Derechos Civiles durante varios años en la década de 1960. Fue un examen completo de la época turbulenta y la épica y desafiante viaje de autodescubrimiento. Él relató el período fotografiando tanto en el NorteMov y el Sur, los negro y los blancos, el fracaso y el triunfo, el amor y el odio, y finalmente, la pasión, la tiranía, y el desafío audaz.

 

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Su Crónica sobre derechos civiles, es considerada aún hoy un clásico sobre el tema y por ella recibió un Guggenheim Fellowship en 1962 y el proyecto fue expuesto en el MOMA de Nueva York.

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MÁS INFORMACIÓN SOBRE SU VIDA Y OBRA:

su página web www.brucedavidson.net (EN [14f])-Bruce Davidson en Magnum (EN [50f])-Bruce Davidson en wikipedia (EN)-Bruce Davidson en edelmangallery (EN [61f])-Bruce Davidson en soulcatcherstudio (EN [5f])-Bruce Davidson en jmsuarez [100f-Entrevista a Bruce Davidson en nytimes (EN [4f])-Bruce Davidson en gregkucera (EN [50f])-Bruce Davidson en time (EN [13f])-Gangs of Brooklyn en lifelounge (EN [16f])-Entrevista a Bruce Davidson en photoicon (EN [17f])-Bruce Davidson en jacksonfineart (EN [58f])- Bruce Davidson en photoslaves (EN [75f])-Bruce Davidson en mocp (EN [27f])-Entrevista a Bruce Davidson en americansuburbx (EN [8f]).

 

También ha dirigido 2 cortos muy premiados: ” Living off the Land” Y “Singer’s Nightmare and Mrs. Pupko’s Beard”

En 2010, una editorial alemana ha publicado en tres volúmenes Outside Inside, conteniendo unas 800 fotografías seleccionadas y positivadas a mano por el mismo Davidson, que muestra su obra desde sus comienzos hasta hoy en día.

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CAMINO DEL INDIO

Estas son algunas de las fotogafías del trabajo -todavía inédito en gran parte- "Camino del indio", que propone un viaje por los Andes partiendo desde Lima (Perú) y llegando a Bolivia.
El trabajó se desarrolló desde finales del siglo XX hasta principios del que estamos transitando.
La calidad de los archivos fotográficos que aquí se muestran es baja, pero suficientemente potable para poder apreciarlos.
Buen viaje.
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salida de la luna sobre Hernández (Nuevo Mexijo) – 1941

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El estadounidense Ansel Adamas es el primero de los Grandes Maestros de la Fotografía que os presento. Mi idea es continuar haciéndolo con otros y con una periodicidad aún por determinar, seguramente en función del tiempo disponible.

He de hacer una aclaración importante: el texto íntegro de este primer post está copiado tal cual de un trabajo que mi amigo y creador de esta red José Luis Cuendía (Guendy) publicó en la comunidad de "El País" hace dos años aproximadamente.

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También debéis saber que los los nombres de los Maestros Fotógrafos a los que dedicaré mis post serán seleccionados por Guendy...y ello por razones obvias. Los nombres de los Maestros de la Fotografía, Guendy los irá seleccionando a su vez de un "glosario" que, entre los dos, estamos elaborando (vamos por la letra "C") en un blog que Moldeando la Luz ha abierto en Wordpress, y al que ya podéis acceder desde la página principal (menú de la pestaña Blogs). Deseo que estos trabajos resulten interesantes, al menos para algunos de ustedes y de quienes nos visitan. lola.

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Cuando Guendy presenta a Ansel Adams en su trabajo se refirió a él con estas palabras: "...conocido en todo el mundo de la fotografía entre otras de sus virtudes por ser el desarrollador del -sistema de zonas-.Personalmente soy un enamorado de la obra de Ansel, sus fotos hacen diana en el centro de mi corazón, contemplarlas es casi un acto litúrgico que trasmite paz y serenidad, contemplar su obra te hace sentirte vivo a la vez que libre".

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ADAMS Ansel

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Ansel Easton Adams, nació en San Francisco el 20 de febrero de 1902 y falleció el 22 de abril de 1984 debido a un fallo en el corazón después de luchar varios años contra el cáncer.

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Es conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía, destacan su trilogía de manuales de instrucción técnica (de los que hablaremos al final). Fundo la asociación fotógrafica -Grupo f64- junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

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Su sistema de zonas, es una demostración de como la cámara o el fotómetro (oexposimetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe de aumentar la exposición (odisminuirla) dependiendo de cuantos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara <incluso digital> siempre "quiere" ver la zona media como un gris medio.

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Sus imágenes empezaron a volverse simbolos de América. A él lo que más le importaba de la naturaleza era principalmente el parque de Yosemite y la preservación de los animales salvajes. Pero también lucho por otras cosas como: nuevos parques para animales salvajes, por Alaska, por los animales en peligro de extinción, aire y agua limpia, en definitiva lo que hoy sería una "ecologista militante y convencido".

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Fue criticado por no poner humanos en sus fotografías. Por ejemplo, el fótógrafo frances Heri Cartier-Bresson dijo: El mundo se está destuyendo y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles.

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Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya no existen, pero para otros ocurre lo contrario, algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares a través de las fotografías. Poco antes de morir como si de una premonición se tratatara comentó:

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"Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electtónica será el próximo avance. Estos sistemas tendrán caracteristicas estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán de hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos".

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En abril del año 2003 y hasta Septiembre del mismo año se presentó como una primicia mundial por la Fundación Pedro Barrié de La Coruña una muestra que reunía 150 fotografías que nos hacian viajar a la vez que estudiar el desarrollo de la carrera artística del Ansel Adams. Las obras fueron seleccionadas por el Museo Internacional George Eastman House de Fotografía y Cine.

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Ansel Adams, es uno de los pocos fotógrafos históricos cuyo nombre y obra gozan de un reconocimiento en todo el mundo. Sus sensacionales paisajes y sus intimos bodegones de la naturaleza siguen cautivando a los espectadores hoy en día. Muchos conocen su obra por la gran difusión que han tenido sus libros, postales, carteles t calendarios, pero relativamente pocos han tenido la oportunidad de comtemplar la presentación de sus imagenes originales, los que viajamos a La Coruña ese a´ño para ver la muestra podemos dar fe de ello.

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"Ansel Adams se ha convertido en uno de los principales referentes mundiales de la creación de la fotografía de paisaje en los años veinte y treinta del pasado siglo, alineándose con los postulados de la estética modernista promovida por Stieglitz y Strand. El grado de control de los procesos fotográficos conseguidos por Adams se plasmó en imágenes de una pureza y belleza formal sin precedentes. Su cámara reinterpreta los paisajes desde la abstracción y, al hacerlo, transmite al espectador una experiencia de éxtasis respetuoso ante la hermosura de lo natural."

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La cámara. 2002 Editorial Omnicón.

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En este libro se explican todos los tipos de cámaras existentes y cómo utilizarlas, en definitiva con este libro tendremos la oportunidad de sacarle partido a nuestra cámara.

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El negativo. 1999 Editorial Omnicon.

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La verdad es que el titulo ya lo dice todo, en este libro podreís ver lo importante que es hacer una medición correcta del lugar o situación a fotografiar. Explica el Sistema de Zonas y analiza como influye la luz natural y artificial, la película y la exposición. Ilustrado con uchas fotografías y esquemas hacen un libro muy fácil de entender.

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La copia 1997 Editorial Omnicon.

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Tercer y último libro de la Trilogía, en este libro tendremos la oportunidad de sacar mejor rendimiento a nuestras copias gracias a técnicas avanzadas de positivado en el laboratorio, como el virado, blanqueo, revelado, quemados, reservas, en definitiva nos ayudará a sacar copias perfectas. Para los estudiantes de fotografía un paso necesario para entender posteriormente los misterios y milagros del laboratorio moderno el Fhotoshop

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Monolith, The Face of Half Dome 1927

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Trabajadores frente al Monte Williamson.1943

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The Tetons and the Snake River 1942

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Hasta la próxima cita que será con otro de los grandes que vamos incluyendo en nuestro glosario en permamente construcción:

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El glosario de Grandes Fotógrafos de Moldeando la Luz.

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Bibliografía de referencia que utilizo para elaborar del glosario:

LA FOTOGRAFÍA del siglo XX- museum Ludwig Colonia- Taschen

El ABC de la Fotografía - Phaidon - ed. 2007

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Para este post, como ya he indicado, todo el material me lo ha proporcionado mi amigo y creador de esta plataforma: José Luis Cuendía (Guendy)

Los comentarios sobre este post, pueden verse: AQUÍ

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Conversaciones con Rui Palha.


Para los que ya llevamos algunas décadas metidos de lleno en el mundo de la fotografía tenemos como en todas las facetas de la vida la experiencia unas veces negativa y otras positiva de ver como van trascurriendo los años y como ha ido evolucionando este arte/oficio/afición.


Y digo arte/oficio/afición y no profesión; porque han sido muchas las ocasiones en que te han sorprendido con la pregunta ¿Eres profesional? Y la respuesta siempre es la misma…, depende de lo que Vd entienda por profesional, si la pregunta es si vivo de la fotografía, la respuesta es que no, si con la pregunta pretende saber si conozco este oficio o profesión, le diré que llevo 40 años aprendiendo---, que aún llevaba pantalones cortos cuando me engancho este veneno llamado “Fotografía”, al que algunos denominan “Moldear la luz”, “Escribir con la luz”, ete arte/oficio que consiste en captar el momento que nunca vuelve…

Durante estos años he conocido a muchas personas mas o menos con ese perfil, pero personas que han conseguido destacar de entre las demás, personas que basta con ver algunas de sus fotos para saber que estas ante un maestro de la luz, son personas a las que

he admirado y sigo admirando desde el mismo día en que nuestras vidas se cruzaron. Una de estas personas es mi amigo Rui Palha, para mi uno de los mejores fotógrafos portugueses. Ayer día 8 y hoy día 9, se presenta en Lisboa su libro “Street Photography”.

Hemos tenido el honor de que Rui nos hablara para Moldeando la luz, le hemos preparado una pequeña entrevista, de sus respuestas veremos la humildad y pasión que este excelente hombre tiene sobre la fotografía.

Rui Palha en el dialogo con sus modelos ha encontrado otros parámetros. La belleza de sus imágenes captadas en las calles de su Lisboa y su atractivo nunca van separados en sus fotos, tensiones entre lo que se muestra y lo que se esconde, sus trabajos realizan una sofisticada comunión entre fotógrafo y modelo, un diálogo en el que aparecen desaparecen rostros anónimos. Rui Palha, elimina cualquier sofisticación subliminal, su negociación con sus modelos tiene como meta una evidencia casi táctil, el concepto de esa belleza humana y mundana, el concepto de la belleza es orientado a la representación de lo cotidiano, donde no se necesita de rodeos estéticos, ni sugerencia alguna, sino, al contrario, de la eliminación de elementos disturbantes a las turbadoras presencias y miradas de las gentes que Rui Palha nos retrata.

Os dejo con Rui Palha.

José Luis Cuendia “Guendy”



Así comenzaba Rui las respuestas a mis preguntas:

En primer lugar no tengo muchas cosas para "hablar" acerca de mí, soy un hombre de perfil muy bajo como un fotógrafo de la calle debe ser, en mi humilde opinión. Aquí hay un pequeño texto que suelen enviar a las personas que quieren saber más sobre mi:

"Nacido en abril de 1953, Portugal. Vivir en Lisboa. Esta frase define forma de ser en la fotografía:

"La fotografía es una parte muy importante de mi espacio ... es descubrir, que es captar el flujo de dar a lo que el corazón siente y ve en un determinado momento, se está en la calle, tratando, a sabiendas, del aprendizaje y, en esencia, la práctica de la libertad de ser, de vivir, de pensar ... "



¿Rui como son tus inicios en la fotografía?


Mi primera cámara fue una muy pequeña Minolta 16, que sólo usaba para pasar un buen rato y aprender algo ...

Cada tiro que hacía me escribía en una libreta toda la información: la velocidad, abertura, la hora del día, etc. Fue la manera que yo utiliza para "ver" los errores que cometía, e intentar corregirlos….

¿Tu formación es autodidacta o te has formado en Alguna Escuela de Fotografía?


Siempre ha sido autodidacta. Cuando tenía 18 años construí mi primer cuarto oscuro, de esta manera comencé a trabajar solo, en el desarrollo y la impresión de mis fotos. Ese fue un trabajo que no me gustaba mucho. Sentía que el tiempo era más importante para estar en las calles
en lugar de estar encerrado en un cuarto oscuro. Pero de todos modos creo que fue una experiencia necesaria muy importante y de ella he aprendido mucho.

¿Qué es para ti la Fotografía en la Vida?

La fotografía es la vida. Es la forma que utilizo para conocer mejor el mundo que me rodea y por supuesto a mi mismo.
Yo no podría vivir sin la fotografía.




¿Cuales son tus ambientes preferidos a la hora de escribir con la luz?

Yo soy un fotógrafo de la calle por lo que mi lugar favorito evidentemente es la calle. En mi trabajo fotográfico todas las personas son únicas y son la parte más importante de mis fotografías.
En ese ambiente me gustan las condiciones de poca luz, los días de lluvia y los lugares problemáticos. En primer lugar me gusta la gente, la gente real; y personalmente prefiero la luz de la mañana y al final del día, por supuesto.




¿Te ha Inspirado en algún fotógrafo, alguna escuela o tendencia?

No puedo negar que mis principales influencias son, en efecto, Henri Cartier-Bresson, Elliot Erwitt y Doisneau.

¿Tú estilo preferido?

No tengo un estilo definido más allá que los temas que se puedan desarrollar en la calle, las personas, los sentimientos, la vida ... Siempre estoy buscando ese momento, ese instante, siento que nunca consigo capturado, y por ello voy a buscándolo siempre.




¿Qué opinión te merece el cambio de la foto analógica a la foto digital?
Por supuesto que en mi caso particular empezó con la película, yo pertenezco a los haluros de plata, a los negativos-positivos a la "escuela", del cuarto oscuro tradicional, creo que esto es muy importante y fundamental para "entender", técnicamente, la fotografía. Y como decía anteriormente me inicié a los 14 años de edad y, a los 18, ya tenía mi propio cuarto oscuro donde pasé muchas horas, a pesar de pasar también mucho tiempo en la calle fotografiando.

Así que me encanta la película, b&n, pero también creo que la fotografía digital fue una gran cosa para el mundo fotográfico. ¿Sabes…? para mí, en mi humilde opinión, el equipo no importa, lo importante es el "ojo" bien sea detrás de las cámaras sean estas digitales o analógicas.




¿Con que equipo fotográfico e Informático trabajas?

Puedo usar varios tipos de equipos, dependiendo de lo que quiero y los lugares en los que voy a trabajar. SLR, DSLR y cámaras de apuntar y disparar. Siempre llevo en mi bolsillo una pequeña cámara con la que poder fotografiar "lugares prohibidos", como centros de metro, centros comerciales y grandes "lugares problemáticos".
Yo uso, por lo general, las lentes de gran angular, porque me gusta estar "cerca", bajo todos los aspectos, que pueden componer la toma de fotografías de personas. Últimamente estoy usando más digital, porque no tengo el cuarto oscuro tradicional, y además nunca me gusta ver mis trabajos revelados e impresos en los laboratorios industriales o ajenos a mi voluntad a la hora de poder determinar el resultado final.Con la cámara SLR yo sólo uso lentes de 20mm, 35 mm y un 50mm . Con DSLR Puedo usar
las mismas lentes y también lentes de zoom como un 14-24 SLR .Últimamente estoy utilizando un objetivo zoom de 24 a 60. Me encuentro muy cómodo disparando así, acercándome a la gente, a los temas a fotografiar. Estoy totalmente de acuerdo y yo trato de seguir la cita de Robert Capa: "Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, es que no estas lo suficientemente cerca.




"¿Utilizas programas digitales para el procesado de tus fotos?
Yo uso estas nuevas técnicas de una manera muy básica, utilizo el PaintShopPro 8 ..trabajando sólo los niveles, contrastes, Dodge & Burn (como si del cuarto oscuro tradicional se tratara) y por supuesto la máscara de enfoque. Personalmente siempre trato de obtener un resultado similar al de la película.

¿Qué opinas de las nuevas tendencias como las imágenes de alto rango dinámico (HDR)

Nunca he usado HDR. Como dije antes, en mi opinión creo que el mejor resultado final debe ser similar a lo que se podría lograr con la película.


¿Blanco y negro o color?


B&N de hecho, y en mi caso siempre.

¿Resúmenos tus obras según tu opinión?

No tengo ninguna meta que lograr con mi fotografía, a excepción de mi propio placer y un interés sociológico. Como ustedes saben yo soy un aficionado y voy a tener este estatus hasta el final de mi vida.
Es la única manera de hacer lo que yo quiera y no lo que otros quieren que yo haga. Todo el mundo tiene que ser (y sentir) la libertad de crear, para reflejar lo que está dentro de ti mismo. Tengo siempre un interés sociológico en mi calle donde por supuesto desarrollo mis trabajos.


Estoy involucrado en algunos proyectos sociales en los barrios problemáticos de Lisboa. Todos los proyectos tienen una propuesta en común: tratar de mostrar la belleza de la raza humana con independencia del color, la religión y la política. Siempre busco gente real y aprendo mucho cada día con la gente anónima en las calles.


¿Tienes publicados más libros que “street photography”. que ahora se pone a la venta.

No, este es oficialmente mi primer libro. He publicado algunos folletos, y colaboraciones pero el verdadero y primer libro es este.


¿Háblanos de él por favor?

Es sólo mi forma de ver la "fotografía de la calle".
Trato de ser un narrador de historias con imágenes, diciendo a los demás lo que se puede "ver" todos los días en mi calle "caminando". Mi fotográfica "de mi mundo" está en Lisboa, el 90% de mis fotos están hechas en mi propia ciudad, donde la gente anónima son los principales actores de mis fotografías. Yo pienso que ningún día es igual anterior, la gente siempre está cambiando, así como los momentos, la iluminación y sobre todo la inspiración...,también. No es correcto "hablar" más sobre el libro. Como suelo decir, los otros, los que lo vean son el mejor juez de lo que estoy haciendo en este mundo, y ello se puede presenciar en la lectura de las fotos del libro.



¿Has participado en otras publicaciones REVISTAS COMO, Periódicos, Exposiciones, etc? Pues me viene a la cabeza aquel trabajo colectivo editado por la revista “fotografía” en la que personalmente he tenido la fortuna de que me hayan seleccionada una foto entre los grades fotógrafos de foto@pt, entre los que evidentemente estabas tu y desde dónde parte nuestra amistad.

Sí. Por supuesto, he participado.



¿Conoces Nuestra Red social Moldeando la Luz?

Sí, por supuesto que la conozco y la visito.

¿Qué opinión te merece?

Creo que es un proyecto muy importante y versátil en favor de la fotografía.

Un lugar para intercambiar experiencias y donde todos nosotros podemos aprender mucho y encontrar nuevas formas de "ver" y no podemos olvidar que la fotografía es la forma en que cada uno "ve" el mundo.



¿Amigo Rui, Como ves el futuro de la fotografía?

Estoy interpretando tu pregunta de una manera filosófica y no de una manera técnica. La fotografía fue, es y será la captura de un trozo de vida en un fragmento de segundo, pero... con la gran cantidad de fotógrafos actuales y la creatividad de las cámaras fotográficas, sentido de oportunidad y sentido de la estética será muy valiosa para evitar la vulgaridad de las imágenes y el estancamiento de los sujetos.

Por supuesto que siempre depende de los caminos que han de seguir en la fotografía y hay tantos .. paisaje, la vida misma, la moda, el estudio, el retrato, los eventos sociales, las fotografía de la calle, el fotoperiodismo y muchos otros.


Amigo Guendy. Muchas gracias, ha sido un verdadero placer, lo siento por la calidad de mis respuestas. No soy bueno con las palabras. Traté de traducir toda la entrevista al español con traductor de Google. Si usted tiene alguna duda por favor hágamelo saber. Fuerte abrazo, Rui.



Bueno amigos moldeadores de la luz, este es Rui Palha, un amigo, un fotógrafo portugués, que ama por encima de todo, a su ciudad, a su gente y sobre todo a la fotografía; la parte más importante de su vida, pues esta es su manera personal de expresar plásticamente lo que piensa de la cosas. Los temas predilectos de sus trabajos denotan que estamos ante un fotógrafo comprometido socialmente con los tiempos que le ha tocado vivir. Y para ello, en la casi totalidad de su obra fotográfica utiliza el B&N, quizás y esa es una apreciación personal mía, por que pienso que él considera que la fotografía en blanco y negro es la verdadera fotografía. Cuando más nos acercamos a la realidad directa, como ocurre con el color, más nos estamos alejando del arte. No sé si habré acertado, pero eso es lo que me trasmiten sus fotos. Detrás de sus fotos está el paisaje urbano pero solo como fondo de lo que él considera que es lo fundamental, el hombre y su huella.

Gracias querido amigo Rui Palha.

Un fuerte abrazo

José Luis Cuendia

"Guendy"





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La fotografía de estudio: los inicios

(Las fotos que se presentan las escaneé del libro de la exposición, y el texto es el resultado de lo que me sugieren las fotos vistas). En Ourense estos día podemos
ver una exposición fotográfica titulada “Pano de fondo” (Telón de fondo), que
nos aproxima a los decorados utilizados entre 1880 y 1960, con fotografías realizadas en Galicia:







Durante años los fotógrafos rurales utilizaban como telón de fondo lo que el pueblo les ofrecía: decorados naturales, como en las famosas fotos de Virxilio Viéitez. En este caso presento (fotos que no están en la exposición mencionada) a esas tres mujeres en medio de “unha corredoira”, un camino, enmarcadas por sendos maceteros:






O esta otra, en la que el decorado está formado por un espectacular coche (¿quién sería el propietario?), que servía de fondo en numerosas fotografías:






Pero el fotógrafo quiere también crear “escena” a través de telones de fondo, para idealizar e ir más allá de la propia realidad. Incluso esa teatralidad fue la propia finalidad de la fotografía en sus primeros momentos, como se ve en la fotografía de Joaquín Pintos, de 1915, en la que se representa el cuadro de Las Hilanderas:


Humildemente comienzan con traseras hechas con sábanas o
colchas que en algunas ocasiones proporcionaban los mismos fotografiados. En
esta foto de José Vidal, en 1930, vemos a una familia numerosa, tan numerosa,
que las dos colchas utilizadas no logran cubrir todo el escenario:


En otras ocasiones son los fotógrafos los que se llevan una tela especial, más o menos
decorada, utilizando también otros elementos decorativos como ramilletes o
floreros. Lo vemos en la foto de José Vidal de los años 30:







Claro que el telón de fondo no siempre oculta toda la realidad de la escena, vemos con frecuencia un suelo de tierra que nos dice que estamos en un entorno rural, como en esta fotografía de Pedro Brey:



También se podía cubrir ese suelo con un paño o una alfombra, como en esta foto de José Domínguez, pero aquí tampoco se puede ocultar dónde estaba situado ese “estudio” fotográfico, pois seguimos viendo el suelo de tierra y un fragmento del muro de piedra que trata de ocultar el telón
de fondo:



En la siguiente foto de Ramón Caamaño, el suelo está totalmente cubierto con alfombras, pero seguimos viendo como la tela del fondo está colgada de una cuerda y sujeta con unas pinzas. Todavía no estamos en un verdadero estudio
fotográfico:



A veces esos telones de fondo se enrollaban y desenrollaban sobre una estructura de madera, que hacía más estable el decorado, aunque también más difícil el trasladarlo de un lugar a otro. Ese soporte lo podemos ver en la foto de José
Domínguez, de 1920:



En medios urbanos se crean los verdaderos estudios fotográficos, y es aquí donde los decorados son más variados y más trabajados. También varía la clientela, los rostros de los niños, y sus vestidos reflejan otra clase social, como vemos en esta foto de Pacheco:



Esos decorados también se presentaban en las fotografías en las que se quería dejar constancia de momentos importantes, como las fiestas (fotógrafo desconocido, 1890):


O las primeras comuniones (José Samaniego, 1926):


O las bodas (Gutiérrez, 1940):


O las muertes (Virxilio):

Y quién no tiene esos retratos escolares, muchos de ellos con su mapa de fondo?



Finalmente, para todos los amantes de la manipulación fotográfica, os presente un fotomontaje realizado por Pacheco en 1950:



Espero no haberos fatigado con tanta foto. Sira

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Entrevista a Gervasio Sánchez

Quiero compartir con ustedes una entrevista al fotógrafo Gervasio Sánchez.

Gervasio Sánchez (Córdoba, agosto de 1959) es un periodista, fotógrafo. Actualmente reside en Zaragoza. Ha cubierto como reportero gráfico la mayor parte de los conflictos armados de América Latina y la Guerra del Golfo desde 1984 hasta 1992, a partir del cual pasó a cubrir la Guerra de Bosnia y el resto de conflictos derivados de la desfragmentación de la antigua Yugoslavia. También ha cubierto diferentes conflictos en África y Asia.

Ha trabajado para diferentes medios, aunque usualmente lo ha hecho como periodista independiente. Entre los periódicos para los que ha trabajado destaca "Heraldo de Aragón" (a partir de 1988)y El Magazine de La Vanguardia (desde el año 2000); y en otros medios, la Cadena SER, el servicio español de la BBC (desde 1994) y la revista Tiempo (desde el año 2000).

Ha conseguido diversos premios, protagonizando una polémica en la entrega de uno de ellos, el Ortega y Gasset de periodismo, a cuenta del discurso pronunciado al recogerlo en el que acusaba al Gobierno de España de la venta de armas a la vez que predica políticas de paz, y ha publicado varios libros fotográficos.

La entrevista

https://www.youtube.com/watch?v=arIdQ871SDk&NR=1

Discurso pronunciado al recibir el Premio Ortega y Gasset de periodismo

"Estimados miembros del jurado, señoras y señores:

Es para mí un gran honor recibir el Premio Ortega y Gasset de Fotografía convocado por El País, diario donde publiqué mis fotos iniciáticas de América Latina en la década de los ochenta y mis mejores trabajos realizados en diferentes conflictos del mundo durante la década de los noventa, muy especialmente las fotografías que tomé durante el cerco de Sarajevo.

Quiero dar las gracias a los responsables de Heraldo de Aragón, del Magazine de La Vanguardia y la Cadena Ser por respetar siempre mi trabajo como periodista y permitir que los protagonistas de mis historias, tantas veces seres humanos extraviados en los desaguaderos de la historia, tengan un espacio donde llorar y gritar.

No quiero olvidar a las organizaciones humanitarias Intermon Oxfam, Manos Unidas y Médicos Sin Fronteras, la compañía DKV SEGUROS y a mi editor Leopoldo Blume por apoyarme sin fisuras en los últimos doce años y permitir que el proyecto Vidas Minadas al que pertenece la fotografía premiada tenga vida propia y un largo recorrido que puede durar décadas.

Señoras y señores, aunque sólo tengo un hijo natural, Diego Sánchez, puedo decir que como Martín Luther King, el gran soñador afroamericano asesinado hace 40 años, también tengo otros cuatro hijos víctimas de las minas antipersonas: la mozambiqueña Sofia Elface Fumo, a la que ustedes han conocido junto a su hija Alia en la imagen premiada, que concentra todo el dolor de las víctimas, pero también la belleza de la vida y, sobre todo, la incansable lucha por la supervivencia y la dignidad de las víctimas, el camboyano Sokheurm Man, el bosnio Adis Smajic y la pequeña colombiana Mónica Paola Ojeda, que se quedó ciega tras ser víctima de una explosión a los ocho años.

Sí, son mis cuatro hijos adoptivos a los que he visto al borde de la muerte, he visto llorar, gritar de dolor, crecer, enamorarse, tener hijos, llegar a la universidad. Les aseguro que no hay nada más bello en el mundo que ver a una víctima de la guerra perseguir la felicidad. Es verdad que la guerra funde nuestras mentes y nos roba los sueños, como se dice en la película Cuentos de la luna pálida de Kenji Mizoguchi.

Es verdad que las armas que circulan por los campos de batalla suelen fabricarse en países desarrollados como el nuestro, que fue un gran exportador de minas en el pasado y que hoy dedica muy poco esfuerzo a la ayuda a las víctimas de la minas y al desminado.

Es verdad que todos los gobiernos españoles desde el inicio de la transición encabezados por los presidentes Adolfo Suarez, Leopoldo Calvo Sotelo, Felipe González, José María Aznar y José Luis Rodríguez Zapatero permitieron y permiten las ventas de armas españolas a países con conflictos internos o guerras abiertas.

Es verdad que en la anterior legislatura se ha duplicado la venta de armas españolas al mismo tiempo que el presidente incidía en su mensaje contra la guerra y que hoy fabriquemos cuatro tipos distintos de bombas de racimo cuyo comportamiento en el terreno es similar al de las minas antipersonas.

Es verdad que me siento escandalizado cada vez que me topo con armas españolas en los olvidados campos de batalla del tercer mundo y que me avergüenzo de mis representantes políticos.

Pero como Martin Luther King me quiero negar a creer que el banco de la justicia está en quiebra, y como él, yo también tengo un sueño: que, por fin, un presidente de un gobierno español tenga las agallas suficientes para poner fin al silencioso mercadeo de armas que convierte a nuestro país, nos guste o no, en un exportador de la muerte.

Muchas gracias."

Premios:

* Premio al Mejor Periodista del Año en 1993, concedido por El Heraldo de Aragón por su cobertura de la guerra de Bosnia.
* Premio al Mejor Trabajo Gráfico del Año 1994, concedido por el Club Internacional de Prensa de Madrid, por la cobertura de la guerra de Bosnia.
* Premio de Andalucía de Cultura en 1995 en su modalidad de Fotografía.
* Premio Cirilo Rodríguez en junio de 1996.
* Premio de Derechos Humanos de Periodismo por su libro «Vidas minadas» y su trayectoria profesional en diciembre de 1997, por la Asociación Pro Derechos Humanos de España.
* "Hijo adoptivo" de la ciudad de Zaragoza. El Ayuntamiento de Zaragoza acordó en septiembre de 1998 concederle el título de «Hijo Adoptivo» en «reconocimiento a los excepcionales méritos contraídos en el ejercicio de su actividad como fotógrafo en la que ha destacado por su sensibilidad social y su denuncia de los horrores de la guerra».
* La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) le nombró durante la celebración del 50 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, en diciembre de 1998, «Enviado Especial de la UNESCO por la Paz» por «el extraordinario testimonio que ofrece mediante la fotografía del calvario que padecen las víctimas de las minas antipersonas y por su infatigable promoción de una cultura de la paz al sensibilizar a la opinión pública mundial sobre la necesidad de proscribir estas armas y de ayudar a los mutilados a reinsertarse en la vida cotidiana».
* En julio de 2001, la Diputación Provincial de Zaragoza le concedió la Medalla de Oro de Santa Isabel de Portugal por “su trayectoria periodística y su compromiso a favor de la víctimas de la guerra”.
* En abril de 2004, el Gobierno de Aragón le entregó la Medalla al Mérito Profesional como “reconocimiento a sus meritorios trabajos como fotógrafo y periodista especializado en conflictos internacionales que le convierten en los ojos y la conciencia de la opinión pública”. Además, “como testigo de este convulso siglo XXI representa la cultura, el riesgo y el compromiso de los corresponsales de guerra al servicio de la verdad”.
* Premio LiberPress en noviembre del 2005 en reconocimiento a su labor “en favor de la libertad de prensa y la denuncia de las injusticias”.
* Premio Javier Bueno en enero de 2006, otorgado por la Asociación de la Prensa de Madrid.
* Premio Ortega y Gasset de Periodismo en categoría gráfica en mayo del 2008.
* Premio Internacional de Periodismo Rey de España en enero del 2009 por la serie "Minas minadas, 10 años después".
* I Premio Solidaridad Proyecto Hombre en marzo de 2009.
* Premio Nacional de Fotografía, en noviembre de 2009.

Publicaciones:

  • "El cerco de Sarajevo", libro fotográfico publicado en 1994.
  • "Vidas minadas", exposición y libro fotográfico lanzadas en 1997, con la colaboración de Médicos sin fronteras, Manos Unidas e Intermon.
  • "Kosovo, crónica de la deportación", libro fotográfico publicado en 1999.
  • "Niños de la guerra", publicado en septiembre del año 2000.
  • "La caravana de la muerte. Las víctimas de Pinochet", publicado en el 2001.
  • "Los ojos de la guerra", publicado en el año 2001 junto a Manuel Leguineche
  • "Cinco años después. Vidas Minadas". Del año 2002.
  • "Latidos del tiempo", junto al escultor y artista plástico Ricardo Calero, publicado en el 2004.
  • "Salvar a los niños soldados". Novela publicada en noviembre del 2004.
  • "Sierra Leona. Guerra y Paz". Libro fotográfico publicado el 2005.
  • "365 Vidas minadas". Libro fotográfico, 2007.
  • "Vidas minadas, Diez años". Libro fotográfico, 2007.
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Hay dos temas relacionados con el mundo de la fotografía que con el tiempo me gustaría tratar a fondo, la fotografía en tres dimensiones, es decir la fotografía estereoscópica que es la técnica que permite registrar imágenes fotográficas que al ser observadas crean la ilusión de profundidad. Prácticamente nació con la propia fotografía y ahora parece que estamos ante su segundo renacimiento en la era digital, aunque para ello necesitamos unas gafas especiales, la otra variante es la de LA FOTOGRAFÍA DE ALTA RESOLUCIÓN. Alto Rango Dinámico de imágenes.
La primera de estas especialidades la dejaré para más adelante, en el mes de Abril nos reuniremos un grupo de amigos y entre ellos estará Carles Moner, una de las voces más autorizadas en Europa sobre este tipo de fotografías, espero que se incorpore para entonces a nuestro grupo de trabajo y que sea el que personalmente dirija este grupo de trabajo sobre la fotografía en tres dimensiones.
La otra es la fotografía HDR (o HDRI, High Dynamic Range Imaging), de la que hoy quiero hablaros con motivo de la creación de un nuevo grupo de trabajo en nuestra web.


Quienes no conozcan la técnica de La fotografía HDR (o HDRI, High Dynamic Range Imaging) puede que cuando hayan visto alguna foto realizada por este procedimiento se hayan preguntado, ¿Pero porque a mí no me salen esas fotos? ¿Qué cámara utilizará este fotógrafo? Y cien preguntas más.


La fotografía HDR (o HDRI, High Dynamic Range Imaging) es una técnica para procesar imágenes que busca abarcar el mayor rango de niveles de exposición en todas las zonas. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma imagen con diferentes exposiciones. Si quieres conocer todo lo relacionado con la creación de fotos HDR, cómo funciona el Alto Rango Dinámico, consejos y trucos para hacer mejores fotos HDR, este es tu sitio.

En este nuevo grupo introducimos las bases para poder conseguir el efecto HDR sobre tus fotos y te avanzamos los diferentes programas para HDR con los que trabajar. Si te interesan las fotos HDR, no dejes de leer esta información y de unirte al nuevo grupo de trabajo.


Para realizar la fotografía HDRI existen programas como Photomatix para trabajar con fotos HDR. En este grupo aparecerán buenos consejos a la hora de hacer tus fotografías HDR. ¿Te los vas a perder?

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. Atardecer desde casa. San Esteban de las Cruces.

En lo que a medición de luz se refiere*, la fotografía digital ofrece una exactitud sin precedentes. Las cámaras más avanzadas, por ejemplo, muestran un histograma de la imagen, es decir, un gráfico, que detalla cómo se distribuyen en ella los distintos tonos, de oscuro a luminoso. Una vez trasferidas las fotografías de la cámara al ordenador se pueden efectuar ese y otro tipo de análisis que, si bien no son obligatorios, resultan muy prácticos para obtener y mostrar toda la información visual, y sacar así el máximo partido a la luz y el color.
El proceso de la fotografía digital se inicia en las minúsculas fotocélulas del sensor de imagen de la cámara. La luz que incide en esas células se registra a modo de descarga eléctrica, en proporción a la intensidad de la luz. El patrón que componen millones de esas unidades acaba generando la imagen. Para asegurar la obtención de un patrón correcto, la cámara y el objetivo deben de graduar la cantidad de luz que incide en el sensor, el equilibrio de color y (en caso de usar flash) la sincronización. La cantidad de luz es la exposición, la luz justa que el sensor necesita para crear una imagen legible. En este punto se disfruta de cierto margen de flexibilidad porque la sensibilidad se puede ajustar a condiciones de iluminación tenue, si bien ello conlleva pérdida de calidad. Los días en los que había que escoger entre distintos carretes han llegado a su fin: el sensor de imagen los incorpora todos.
Esta es una de las variables a tener en cuenta al medir la cantidad de luz. Las otras dos son el obturador y la abertura, que regulan por separado. Tienen otras funciones adicionales, y en muchas situaciones se puede escoger a cuál dar prioridad: mayor velocidad de obturación para congelar el movimiento o menor abertura para obtener mayor profundidad de campo.
La mayoría de las cámaras actuales ajustan el obturador y la abertura de forma automática, por lo que se puede confiar en que la exposición será aceptable, pero, por supuesto, también se pueden variar los ajustes de forma manual.
La luz también tiene color, más del que el ojo humano percibe. Nos acostumbramos tan bién al color de la luz, ya sea la blanca del color de mediodía, la azul del cielo, la naranja de las bombillas o la verdosa de las fluorescentes, que todo nos parece normal. La cámara es más fiel a la fuente original e interpreta menos la luz, lo cual, cuando se trabajaba con carretes, provocaba sorpresas desagradables, como dominantes de color intensas e indeseables en las imágenes. La fotografía digital ofrece la posibilidad de solventar el problema mostrando el resultado en el mismo momento y ofreciendo la posibilidad de realizar ajustes.
Las cámaras digitales actuales resuelven la mayor parte de los problemas técnicos, lo cual es muy útil porque las decisiones más importantes guardan relación con la calidad de la luz. Por ejemplo, hay que determinar qué tipo de luz funciona mejor con los diferentes temas y escenas; decidir cómo sacar mayor partido a las condiciones lumínicas cuando no se pueden modificar, y ser sensible a los distintos ambientes que una u otra iluminación pueden generar.
* Michel Freeman.

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