Los moldeadores tienen la palabra...

 

 

La diferencia entre buenas fotos, fotos y hermosas fotos.The difference between good photos and beautiful photos

Pintura de arriba de Caspar David Friedrich. En el que tantos fotógrafos se han inspirado

 

La diferencia entre buenas fotos, fotos y hermosas fotos.

 Las buenas fotos cuentan historias. Las fotos promedio son simplemente hermosas En estos días hay toneladas de fotos alrededor. Muchos son muy buenos. Muchos simplemente hermosos.

Muchas cosas profesionales hechas por profesionales que saben cómo hacer las cosas. Asesinos, tal vez. Las fotos más apreciadas son las de composición simple, a menudo central, con hermosos colores.

Una vez, Roger Ballen dijo: Cuando las personas dicen que admiran una foto, a menudo simplemente admiran los colores. Los colores son el azúcar de la fotografía. Todos amamos el azúcar. Los colores nos llaman la atención de inmediato en una foto y tal vez hay una teoría sobre la percepción del color para descubrir por qué algunos colores funcionan bien y decir "Oh, bella imagen".

 El azul del cielo, los colores de las flores, el tono de la piel de un niño. Hagamos esta prueba: desenfoque una imagen con hermosos colores hasta el punto de que las figuras sean irreconocibles. Manchas de color puro. Si todavía es agradable, es una buena foto.

Si es irreconocible, ya no es una foto, y me refiero a una foto con una composición sólida, no bloqueada. Hermosas fotos me molestan. Las fotos que más me interesan ni siquiera son las que me gustaría pensar en "Quién sabe cómo lo hizo". La técnica es interesante, pero generalmente me aburro más temprano que tarde. Solo me interesan las fotos capaces de captar mi atención durante al menos 10 segundos. 10 segundos es mucho. Ver una foto durante tanto tiempo es una gran cosa, es más que el tiempo que pasamos mirando una pintura en una galería de arte.

 Composición

La composición es la base de la fotografía. Cada elemento de la foto debe estar perfectamente organizado dentro del marco para obtener el resultado perfecto. Eso es ampliamente conocido. Ahora me gustaría analizar dos tipos diferentes de composición. Las primeras son composiciones bloqueadas: estoy hablando de aquellas en las que el sujeto suele estar justo en el centro y todos los demás elementos apuntan directamente al centro del cuadro. Incluso si hay muchas fotos famosas y bastante buenas basadas en esta composición, me encanta lo contrario, esa es la composición centrífuga porque es mucho más interesante.

Dado que cada foto se define por sus elementos, pero también por el marco, cada elemento que tiende a salir de los bordes generalmente agrega algo interesante. Es como si fuera imposible contener toda la historia dentro del marco o, desde otro punto de vista, es como si hubiera dos fotos: la visible dentro del marco y la otra invisible fuera de él. ¿Lo ves? Una composición centrífuga entrega dos fotos en una o, al menos, cuenta una historia más grande: algo está sucediendo dentro del marco y puedes verlo, pero también está sucediendo algo afuera, y puedes resolverlo. Adivínalo.

La historia dentro es tan fuerte que trata de escapar fuera del marco. Me vienen a la mente dos disparos: uno de Henri Cartier-Bresson y el otro de Rui Palha. (Rui Palha, fue entrevistado en los primero números de Luz y Tinta por Guendy, pues los dos son viejos amigos, se contaba en la entrevista)  Ambos se basan en elementos de la composición que intentan salir del cuadro. El movimiento genera complejidad, así como la estratificación de un vino le da profundidad.

4362308369?profile=RESIZE_710xHenri Cartier-Bresson

4362318446?profile=RESIZE_710xRui Palha

Una imagen realmente buena no solo muestra algo sino que ilumina un espacio perceptivo en la cabeza del observador. No puede incluirse en las dos dimensiones de una impresión, pero siempre trata de salir. Quiere ir más allá de las dos dimensiones al espacio físico.

Una buena foto no puede ser solo algo agradable. ¿Recuerdas que las fotos hermosas son como el azúcar? Bueno, una buena foto es como un buen vino: cuando comienzas a beber vino y nunca lo has probado, probablemente te gusten los dulces. Una vez que te acostumbras a su sabor, de repente buscas una complejidad mucho más profunda. Ya está satisfecho con su dulzura: desea grosor, sabores, diferentes texturas. Lo mismo sucede en la fotografía: el azúcar es fácil de saborear y entender (al igual que los colores), pero cuanto más te educas en algo, más buscas manifestaciones complejas porque las simples ya no te estimulan. El azúcar siempre es dulce y fino, pero ya no te importa.

Quieres algo diferente Parafraseando a Cartier-Bresson, quien dijo que la nitidez es un concepto burgués, se puede decir que el color en sí es un concepto burgués. Para poder comunicarse, una foto también debe ser llamativa a veces, debe estar gritando, por así decirlo. De lo contrario, es solo azúcar. Agradable. Repugnante otras veces. No es muy interesante al final. Contar una historia "Storytelling" parece ser una palabra mágica en estos tiempos. Como cada palabra, pronto termina siendo abusado. Contar una historia requiere al menos palabras o una animación. Es algo basado en tres etapas: un comienzo, algo en el medio y luego un final. La fotografía es una imagen estática. No tiene la libertad de una película, ni la articulación de una historia hecha en palabras.

Sin embargo, hablando de fotografía, solo hay un elemento que, en mi opinión, permite que una imagen cuente una historia: debe haber al menos una cierta tensión entre los elementos que componen la foto. Solo la tensión, que es una acción congelada en el momento del disparo, permite suponer, adivinar e imaginar lo que sucedió antes y especialmente después. Es por eso que las fotos de paisajes no cuentan historias, por lo que las fotos con un solo sujeto que no hace nada en particular difícilmente pueden contar una historia, a menos que sean retratos muy exitosos.

La historia contenida en una foto se compone del presente (el momento congelado, visible) y un pasado y un futuro que están al acecho, dejados a la imaginación. La historia contada por una foto es un poco como la imaginada cuando en el metro miramos a esas personas que viajan con nosotros en el carro y tratamos de pensar qué vida tienen: qué hacen, de dónde son, etc.

El primer y el último momento retratado en la foto pertenecen al dominio de la imaginación del observador, especialmente cuando se trata de una sola foto.

Hablando de fotos que cuentan historias, me gustaría presentar dos ejemplos: uno de Mary Ellen Mark y otro de Martin Parr. Para cada uno de ellos imaginé el pasado y el futuro de las personas retratadas.

He creado posibles pasados y futuros basados en la sugerencia de las fotos mismas. Esos pasados y futuros no eran visibles en esas fotos, pero surgieron de elementos conflictivos visibles en esas imágenes. Una foto puede ser una imagen simple que termina en el momento en que se describe. Sin embargo, cuando cuenta una historia, se expande en las mentes de quienes la miran y abrazan el pasado y el futuro. Esta habilidad proviene de la tensión entre los elementos que la componen. Eso sucede cuando una imagen sale de los bordes de su marco y se convierte en algo interesante o, en otras palabras, se convierte en una historia.

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La familia Damm en su automóvil, Los Ángeles, California, EE. UU. 9 7. Foto de Mary Ellen Mark ¿Qué tan difícil es contar una historia en un solo cuadro? Raramente ocurre, y en el caso de esta foto de Mary Ellen Mark titulada "La familia Damm en su auto" tomada en Los Ángeles en 1987, simplemente hay de todo. No solo la historia de una familia en un momento específico de su vida, sino también de todo un país.

Los gestos y los objetos lo dicen todo

 ¿Qué ves? Una familia dentro de un auto. Cada miembro está claramente posando en una pose natural, como si realmente viviera de esta manera, dentro de lo que probablemente sea su automóvil y su propia casa al mismo tiempo. Una familia pobre que tiene un auto y cualquier otra cosa. Pero se cuidan mutuamente: el padre / esposo abraza suavemente a la esposa, su hija acaricia y protege a su hermano menor. Ella está mirando algo fuera del marco. Probablemente no sea el fotógrafo, incluso si no sabemos qué o quién es. Tal vez sea el futuro el que no se vea tan brillante.

Los ojos del padre

El padre, la madre y la hija miran directamente a la cámara. Saben que esta es su vida y probablemente siempre será así. El padre dice con los ojos "Esto es todo lo que tengo", pero es fácil entender que se preocupa por su familia. La madre abandona sus brazos. Ella esta exhausta. Su hija se parece a ella pero es 0 años menor. Es como ver a la misma persona en diferentes momentos de su vida, ambos al mismo tiempo. Esta pequeña mujer ya es consciente de su futuro: no hay esperanza, esta es su vida. Ella es como su madre, crecida y madura como ella, pero en un cuerpo más joven. Ya lo sabes todo. Ella mira tristemente su futuro, ya detrás de ella.

 El país

El país en el que viven está en el fondo: un camino de tierra donde estacionaron su automóvil y su hogar. Un automóvil que probablemente ya no sea un objeto en movimiento: simplemente está parado allí, parado, estacionado y parado indefinidamente, un símbolo de una sociedad rota que ya no produce nada. El mismo automóvil también es un marco dentro del marco: sus ventanas crean un límite entre sus vidas y la del país en el que viven. Protección y exclusión al mismo tiempo. Historia No sabíamos nada sobre esta familia antes. Ahora lo sabemos todo. En esta foto está su historia y la de su país, al mismo tiempo. En un solo cuadro.

Cada historia se basa en un principio, algo en el medio y un final. Estamos viendo toda la historia en un guiño. Mary Ellen Mark cuenta la historia de la familia Damm. Todavía podemos escucharlo, claramente, incluso después de casi 30 años.

Hablando de cómo contar una historia en un solo cuadro.

Martin Parr es quizás uno de los mejores fotógrafos que puedes encontrar.

Entonces, antes de ir directamente a una de sus tomas más icónicas, permíteme decirte por qué creo que él es probablemente uno de los  grandes de todo el mundo, pase lo que pase. Puedes ver muchas fotos diferentes de muchos fotógrafos diferentes y aún cuando te topas con una de Martin Parr, podría ser solo Parr.

¿Porqué es eso?

 Hay muchos puntos de vista, pero solo una fotografía de Parr es básicamente la expresión de un punto de vista. Existe la técnica, por supuesto, pero lo que diferencia a un fotógrafo y lo define es su propio punto de vista.

Intenta esto: ¿cuántas veces puedes engañarte para que pienses que esto fue tomado por un fotógrafo y en su lugar fue otro? Muchas veces, sospecho. Parr es diferente: tiene su propio estilo (muy definido por sus técnicas: el uso de la luz del flash, los primeros planos, etc.) pero solo él puede tomar fotos como las suyas.

Una epifanía

Sus disparos se pueden leer como "Uhm, inteligente", pero también como la expresión real y genuina de nuestros tiempos: por lo general, se centra en las personas, más a menudo en la clase media o incluso en personas ricas. Su interés parece estar describiéndolos con sus propios objetos y símbolos, siendo religiosos o simplemente formando parte de la sociedad material: objetos caros, patrones repetitivos, contrastes. Como cualquier expresión verdadera del arte, agrega un significado a la realidad simple y común. Su significado oculto ya estaba allí y él es el decodificador: puede usar elementos que podemos reconocer fácilmente, organizándolos en una composición que cuenta una historia diferente.

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Fotos sin belleza

Parr le pide que olvide que una foto también puede ser hermosa. Él no está buscando esta delgada capa de belleza. Tomar una hermosa foto es bastante fácil: sigue algunas reglas, elige tu tema, ten una buena luz y el truco está hecho. Sus tomas no muestran ningún concepto de belleza. Simplemente no les importa. Su historia es un mecanismo intelectual: requieren que el observador use su cerebro: conectando los puntos en la foto, encuentre el camino y obtenga el significado. Podría ser la repetición de un patrón, algunos colores, la yuxtaposición de elementos como en la imagen de la acrópolis anterior, donde los visitantes son (o se supone que son) más importantes que el monumento en sí. Tan importante que en el fondo otro grupo de turistas les está volviendo los hombros, como lo están haciendo con el Partenón.

 

El observador

Parr es el observador: aunque su trabajo podría leerse realmente como "una colección de momentos afortunados" cuando las cosas suceden juntas de esa manera exacta, es fácil entender cuán grande debería haber sido su atención para obtener exactamente esa toma. Puedes sentir que ha estado cerca de sus sujetos durante mucho tiempo, tal vez ni siquiera tomando una sola foto, solo sonriendo y charlando. ¿Que estaba haciendo? Recolectando impresiones, componiendo el marco en su mente. Luego, como un cazador, cuando llegó el momento adecuado, él estaba allí con su cámara. Parr no busca ningún tipo de belleza, excepto la intelectual: sus composiciones son a menudo, bueno, buenas. Lo bueno de él es que necesita el cerebro del observador para transmitir el mensaje. El observador es activo, no pasivo. El mensaje es "Ve más allá: el significado no está en la superficie, está debajo de él". Es un cerebro en acción, en eso está trabajando.

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Volvamos al tema principal que es "Cómo contar una historia de una sola vez". Particularmente me gusta esta imagen de Parr. Cuando lo miras, probablemente no pensarías "Oh, esto es hermoso". No es hermoso en absoluto, pero tiene toda una historia que contar. Sígueme.

Una pareja en un restaurante

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Hay un hombre y una mujer sentados en una mesa junto a una pared en un restaurante. El tablero está configurado y esperan para comer. Todavía no han comido ya que no hay botellas ni vasos y los cubiertos todavía están alineados y limpios delante de ellos. Ella mira sus uñas o dedos. Presumiblemente revise la manicura. Él fuma un cigarrillo y su mirada se dirige hacia la mujer, pero la supera. Él está mirando por la ventana. Son una pareja, probablemente marido y mujer. Comparten una vida en común, pero este día no tienen nada en común. Nada parece separarlos de estar en la misma mesa el mismo día. El lenguaje de sus cuerpos es inconfundible: son indiferentes entre sí. La grandeza de esta imagen no solo está contenida en la composición en sí o en el momento en que captura, sino que se expresa sobre todo en lo que no muestra, sino que eso te permite adivinar: toda la historia de esa pareja que los dirigió ese día , a esa hora y en la mesa de ese restaurante en New Brighton.

Es un poco como ver una película acelerada y presionar repentinamente el botón de detener y luego la película se detiene en ese cuadro; incluso al verla acelerada, sabes perfectamente lo que sucedió hasta ese momento. Ya sabes cómo era su vida antes. La vida de una pareja como muchas otras pero no la misma que todas las demás. Un par de la clase media británica o quizás incluso más popular, que un domingo decide salir y almorzar en un restaurante. Estamos a mediados de los 80 y la iconografía de esta pareja casi no tiene nada en común con esos años. Todos los colores eran diferentes en aquel entonces: esponjoso, fucsia, pelo largo y liso, maquillaje pesado. El mismo día que Madonna cantaba sensualmente en una góndola bajo los puentes de Venecia en 1984, esta pareja estaba almorzando en ese restaurante.

Ese mismo día Y Martin Parr también estaba allí. A menudo, Parr es descrito como un crítico despiadado (a la manera británica, tan civilizada) de la sociedad y tal vez incluso puedas pensarlo al ver algunas de sus fotos tomadas en algún partido de la alta sociedad. En esta foto hay una gran participación humana. Él no está diciendo "Mira a esta pareja: están atados pero no hay nada que los ate". Él solo está contando su historia en una sola toma que es tan precisa que puedes descubrir todas las tomas de sus vidas que los llevaron ese día a ese restaurante. Puedes imaginar esos disparos perfectamente. Cuando una historia está bien contada, no solo hay una buena trama y el acto y la sabiduría del cuento en sí, sino también la capacidad de activar recuerdos, identificación, compasión o rechazo. Cuando una historia estimula una reacción y no es un puro entretenimiento, cuando plantea una duda o planta una semilla, deja huellas. Sigue pensando en ellos días después de escucharlos, como sucede con algunas películas. No entendiste exactamente lo que te dijeron pero sentiste que te hablaron de alguna manera, te susurraron algo.

Quién sabe de qué hablaron.

Quién sabe si estaban enojados el uno con el otro.

Quién sabe si esa era solo su forma privada de permanecer juntos.

Quién sabe.

Algunos fotógrafos saben cómo contar una historia magistralmente con una sola imagen. Cuando una foto contiene miles más, cuenta una historia.

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Estereotipos fotográficos

Me gustaría terminar este artículo hablando de algunos estereotipos fotográficos que, creo, son la degeneración del arte de tomar fotos. La pintura de arriba de Caspar David Friedrich inspiró a millones de fotógrafos o aspirantes a fotógrafos. Hombres y mujeres que piensan que tener una cámara significa ser fotógrafos. Como si la herramienta y su uso familiarizaran al usuario con lo que esa herramienta debe hacer. Fotografiar es una actitud, una inclinación, una expresión de una visión del mundo. No es un arte mágico tomado de un instrumento. La cámara no hace al fotógrafo. El fotógrafo usa la cámara como herramienta. Comprensiblemente inspirado por una pintura tan perfecta y enigmática, muchos pensaron que la forma más fácil de hacer arte era imitarlo. Si esa imagen da algunas emociones es porque plantea un tema frente a un paisaje extraordinario que es metafórico de la vida: la belleza cubierta por las nubes. Alegría y dolor, claridad y confusión, visión y confusión. La vida, en fin. Pero las emociones tienen esta peculiaridad: son poderosas cuando impactan, pero pierden su fuerza cuanto más repetitivo es el movimiento con el que se balancean. La millonésima aparición de la emoción es más banal de lo normal porque es esperada y bien anticipada.

“Paisaje de nubes y hombre meditando mirándolo. Ya visto". Instagram, las redes sociales y las máquinas digitales solo se han amplificado y han hecho que esta sensación sea relajante: persuadieron a muchas personas de que tomar una fotografía era solo para repetir un patrón de trabajo y pegadizo. Pero como la mejor canción pop o la mejor pizza del mundo, escucharla o alimentarla al final genera náuseas y rechazo.

Y los estereotipos fotográficos son múltiples y repetitivos, por supuesto: andan en grupos y bandas. Miles de fotos, ya vistas, repetidas una y otra vez. El fondo cambia pero la muerte de la fantasía sigue siendo la misma. Orwell dijo que la repetición de metáforas, especialmente en el periodismo, era la muerte del lenguaje. Repetir sin reinventar significa renunciar al sentido de la metáfora que es "sacar a relucir". En otras palabras, explicar un concepto utilizando imágenes altamente evocadoras y más comprensibles. La repetición socava este poder evocador, ya que la repetición de estereotipos socava la fotografía, que es más directa que una metáfora que es una metáfora en existencia, ya una imagen terminada en sí misma. Hay una alineación emocional particular que surge cuando una imagen representa un cierto momento, que también es un estado de ánimo que obtiene el fotógrafo.

Es un mecanismo íntimo que solo se activa cuando se ve por primera vez porque evoca una emoción particular, un recuerdo. Cuando recuerda un recuerdo que es el recuerdo de una imagen ya vista, solo genera un reconocimiento y una débil aflicción de una emoción.

En cada imagen ya vista hay una doble traición: la de la imagen original y la de la idea creativa. La primera imagen, la copiada y rechazada en mil variantes que siempre son reconocibles y tediosas hasta el agotamiento, sigue siendo un recuerdo; la idea creativa ya no emerge porque no hay creación. Hay una cautelosa confianza en lo ya visto. Funcionó una vez, luego funcionará nuevamente.

No.

Comercialmente, sí. Pero ya no es fotografía. Es una imagen, es un objeto funcional o una expresión de estereotipos. No le gustan las variaciones anarquistas del arte: es solo un monumento a la seguridad de lo ya visto. El fotógrafo que se coloca a sí mismo y al sujeto en un automóvil y no mira a ese sujeto, humano, animal o natural, sino que mira una imagen mental y la vuelve a ensamblar de acuerdo con un tipo ya visto, no mira la realidad y no interpretarlo y reescribirlo creando un nuevo objeto al final. Él solo está mirando dentro de su propia memoria visual. Cada foto ya vista, cada composición ya vista del marco, cada elemento dispuesto en ese marco al igual que miles de veces es una traición a la fotografía. Técnicamente es una fotografía. Pero la técnica describe un soporte y no el arte que se supone que debe contener.

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The difference between good photos and beautiful photos

 

Good photos tell stories. Average photos are just beautiful

These days there are tons of photos around. Many are very good. Many just beautiful. Lot of professional stuff done by pros that know how to get the thing done. Killers, maybe.

The most appreciated photos are those of simple composition, often central, with beautiful colors. Once Roger Ballen said:

When people say they admire a photo, they are very often just admiring the colours.

Colors are the sugar of photography. We all love sugar. Colors strike us immediately in a photo and maybe there is a theory about color perception to figure out why some colors work well and let us say “Oh beautiful picture”. The blue of the sky, the colors of the flowers, the tone of a child’s skin.

Let’s do this test: blur a picture with beautiful colors to the point that the figures are unrecognizable. Pure color spots. If it’s still nice it’s a nice photo. If it is unrecognizable it is no longer a photo, and I mean a photo with a solid composition, not a blocked one.

Beautiful pictures annoy me. The photos I’m most interested in are not even the ones I would like to think of “Who knows how he did it”. The technique is interesting but usually I got bored more sooner than later. I’m only interested in photos able to capture my attention for at least 10 seconds. 10 seconds is a lot. Watching a photo for such a long time is a big thing, it’s more than the time we spend looking at a painting in an art gallery.

Composition

Composition is the basis of photography. Each element of the photo must be perfectly arranged within the frame in order to get the perfect result. That is widely known.

I’d like now to analyze two different kind of composition.

The first ones are blocked compositions: I’m talking about those where the subject is usually right in the center and every other element points right to the center of the frame.

Even if there are many famous and pretty good photos based on this composition, I love the opposite, that’s the centrifugal composition because it’s much more interesting. Since every photo is defined by its elements but also by the frame, every element that tends to go outside of the borders usually adds something interesting. It’s like as if it was impossible to contain the whole story inside the frame or, from another point of view, it’s like there were two photos: the visible one inside the frame and the other invisible outside it. You see? A centrifugal composition delivers two photos in one or, at least, tells a bigger story: something is happening inside the frame and you can see it, but something is also happening outside, and you can just figure it out. Guess it. The story inside is so strong that it tries to escape outside the frame.

Two shots come to my mind: one by Henri Cartier-Bresson e the other by Rui Palha.

Both are based on elements of the composition that try to get out of the frame.

The movement generates complexity, as well as stratification of a wine gives it depth.

A truly good picture does not only show something but it lights up a perceptual space in the head of the observer. It can’t be contained into the two dimensions of a print but it always tries to get out.

It wants to go beyond the two dimensions into the physical space. A good picture can’t be just a nice thing.

Do you remember that beautiful photos are just like sugar? Well, a good photo is like a good wine: when you start to drink wine and you’ve never tried any you probably like the sweet ones. Once you get used to its taste you suddenly look for a much more deep complexity. You are any longer satisfied by its sweetness: you want thickness, flavors, different textures.

The same happens in photography: the sugar is easy to taste and

understand (just like colors) but the more you educate yourself in something, the more you look for complex manifestations because the simple ones do not stimulate you anymore. Sugar is always sweet and fine, but you just do not care anymore. You want something different.

Paraphrasing Cartier-Bresson who said that the sharpness is a bourgeois concept, it can be said that the color itself is a bourgeois concept. To be able to communicate, a photo must also be striking at times, it must be shouting, so to say. Otherwise it is just sugar. Enjoyable. Sickening other times.

Not very interesting in the end.

Telling a story

“Storytelling” seems to be a magical word in these times. Like every word, it soon ends up being abused.

Telling a story requires words or an animation at least. It is something based on three stages: a beginning, something in the middle and then an end.

Photography is a static image. It does not have the freedom of a movie, nor the articulation of a story made in words. Yet, speaking of photography, there is only one element that in my opinion allows an image to tell a story: there must be at least a certain tension between the elements that make up the photo. Only the tension, which is a

frozen action at the moment of the shot, lets presume, guess, imagine what came before and especially after.
That’s why landscape photos do not tell stories, so photos with a single subject that does not do anything particular can hardly tell any story, unless they are very successful portraits.
The story contained in a photo is composed of the present (the frozen moment, visible) and a past and a future that are just lurking, left to the imagination.

The story told by a photo is a bit like the ones imagined when in the metro we look at those people riding with us in the wagon and we try to think what life they have: what they do, where they are from and so on.
The first and the later moments portrayed in the photo belong to the domain of the imagination of the observer, especially when it is just a single photo.

Talking about photos that tell stories I’d like to introduce two examples: one by Mary Ellen Mark and one by Martin Parr. For each of them I imagined the past and the future of the people portrayed. I have created possible pasts and futures based on the suggestion of the photos themselves. Those pasts and futures were not visible in those photos, but they stemmed from conflicting elements visible in those images.

A photo can be a simple picture that ends in the moment it describes. When it tells a story, however, it expands into the minds of those who look at it and embrace past and future. This ability comes from the tension between the elements that compose it. That happens when an image comes out of the edges of its frame and becomes something interesting or, in other words, becomes a story.

 

The Damm Family in Their Car, Los Angeles, California, USA 1987. Photo by Mary Ellen Mark

 

How difficult is it to tell a story in a single frame? It happens rarely, and in the case of this photo by Mary Ellen Mark titled “The Damm family in their car” taken in Los Angeles in 1987, there is simply everything. Not just the story of a family at a specific time of its life, but also of a whole country.

Gestures and objects say everything
What do you see? A family inside a car. Each member is clearly posing in a natural pose, as if they really lived this way, within what is probably their car and their own home at the same time. A poor family who has a car and anything else. But they take care of each other: the father/husband gently embraces the wife, their daughter caresses and protects her young brother. She is staring at something outside the frame. Probably not the photographer, even if we do not know what or who it is. Maybe it’s the future that does not look so bright.

 

The father’s eyes
The father, the mother and the daughter look directly into the camera. They know this is their life and will probably always be this way.
The father says with his eyes “This is all I have” but it’s easy to understand that he cares about his family.
The mother abandons her arms. She’s exhausted.
Her daughter looks like her but 20 years younger. It is like seeing the same person at different moments of his life, both at the same time. This little woman is already aware of her future: there is no hope, this is her life. She’s like her mother, grown up and mature like her, but in a younger body. You already know everything. She looks sadly into her future, already behind her.

The country
The country they live in is in the background: a dirt road where they parked their car and their home. A car that is probably no longer a moving object: it just stands there, stopped, indefinitely parked and stopped, a symbol of a broken society that no longer produces anything. The same car is also a frame within the frame: its windows create a border between their lives and that of the country they live in. Protection and exclusion at the same time.

History
We did not know anything about this family before. Now we know everything. In this photo there is their story and that one of their country, at the same time. In a single frame. Every story is based on a beginning, something in the middle and an end. We are looking at the whole story in a wink.

Mary Ellen Mark tells the story of the Damm family. We can still hear it, clearly, even after almost 30 years.

Talking about how to tell a story in a single frame, Martin Parr is maybe one of the best photographer you can find. So, before going straight to one of his most iconic shot, allow me to tell you why I think that he is probably the greatest photographer on the whole earth, no matter what.

You can see many different photos by many different photographers and still when you stumble into one by Martin Parr it could be only Parr. Why is that?

There are many points of view, but only one Parr

Photography is basically the expression of one point of view. There’s the technique of course, but what sets a photographer apart and defines him is his own point of view. Try this: how many times you can be fooled into thinking that this was taken by one photographer and instead it was another one? Many times, I suspect. Parr is different: he’s got his own style (heavily defined by his techniques — the use of flash light, the close-ups and so on) but only him can take pics like his ones.

An epiphany

His shots can be read like “Uhm, clever” but also like the real and genuine expression of our times: he usually focuses on people, more often middle class or even wealthy people. His interest appears to be describing them with their own objects and symbols, being them religious or just coming form the material society: expensive objects, repetitive patterns, contrasts.
Like any true expression of art, he adds a meaning to the plain and common reality. Its hidden meaning was already there and he is the decoder: he’s able to use elements that we can easily recognize, arranging them into a composition which tells a different story.

Un-beauty photos

Parr asks you to forget that a photo can be beautiful too. He’s not looking for this thin layer of beauty. Taking a beautiful shot is pretty easy: follow some rules, choose your subject, have a good light and the trick is done.
His shots don’t show any concept of beauty. They simple don’t care about it. Their story is an intellectual mechanism: they require the observer to use his/her brain: connecting the dots into the photo, find the path and get the meaning. It could be the repetition of a pattern, some colors, the juxtaposition of elements like in the above acropolis picture, where the visitors are (or are supposed to be) more important than the monument itself. So important that on the background another group of tourists are turning their shoulders on them, like they’re doing to the Parthenon.

The observer

Parr is the observer: although his work could be read really like “a collection of lucky moments” when things happen together in that exact way, it’s easy to understand how big his attention should have been to get exactly that shot. You can feel he’s been around his subjects for a very long time, maybe not even taking a single shot, just smiling and chatting. What was he doing? Collecting impressions, composing the frame into his mind. Then, like a hunter, when the right time has come, he was there with his camera.

Parr is not looking for any kind of beauty except for the intellectual one: his compositions are often, well, good. What’s great about him is that he requires the observer’s brain to deliver the message. The observer is active, not passive. The message is “Go further: the meaning is not on the surface, it’s beneath it”. It’s a brain in action, that’s what he’s working on.

Let’s go back to the main issue that is “How to tell a story in a single shot”

I’ m particularly fond of this picture by Parr. When you look at it you probably wouldn’t think “Oh this is beautiful”. It is not beautiful at all, but it’s got a whole story to tell. Follow me.

A couple at a restaurant

There is a man and a woman sitting at a table next to a wall in a restaurant. The board is set up and they wait to eat their meal. They have not yet eaten since there are no bottles or glasses and the cutlery are still aligned and cleaned in front of them. She looks at her nails or fingers. Presumably check the manicure. He smokes a cigarette and his gaze is in the direction of the woman but overcomes her. He’s looking outside the window. They’re a couple, probably husband and wife. They share a common life but this day they have nothing in common. Nothing seems to tie them apart from being at the same table on the same day. The language of their bodies is unmistakable: They are indifferent to each other.
The greatness of this picture is not only contained in the composition itself or in the moment it captures, but it is expressed above all in what it does not show, but that lets you guess: the whole story of that couple who led them that day, at that hour and at that restaurant’s table in New Brighton.

It’s a bit like seeing an accelerated movie and suddenly pressing the stop button and then the film stops on that frame — even seeing it accelerated, you know perfectly what happened up to that point in time. You know what their life was before. The life of a couple like many others but not the same as all others. A couple of the British class middle class or perhaps even more popular, that one Sunday decides to go out and have lunch at a restaurant.
We are in the mid-80’s and the iconography of this couple has hardly anything in common with those years. All colors were different back then: fluffy, fuchsia, long straight hair, heavy makeup. The same day that Madonna was singing sensually on a gondola under the bridges of Venice in 1984this couple was having his lunch in that restaurant. That very same day.
And Martin Parr was there too.

Often, Parr is described as a ruthless critic (in the British way, so civilly) of the society and maybe you can even think so seeing some of his photos taken at some high society party. In this photo there is indeed great human participation. He is not saying “Look at this couple: they are tied but there is nothing that binds them”. He’s just telling their story in a single shot that’s so precise that you can figure out all the shots from their lives that brought them that day to that restaurant. You can imagine those shots perfectly.
When a story is well-told there is not only a good plot and the act and wisdom of the tale itself, but also the ability to activate memories, identification, compassion or rejection.
When a story stimulates a reaction and is not a pure entertainment, when it poses a doubt or plant a seed, it leaves traces.
You keep on thinking on them days after hearing them, as happens with some movies. You did not understand what exactly they told you but you felt they talked to you somehow, they whispered to you something.

Who knows what they talked about.
Who knows if they were angry with each other.
Who knows if that was only their private way to stay together.
Who knows.

Some photographers know how to tell a story masterfully with just a single image.
When a photo contains thousands more then it tells a story.

Photographic stereotypes

I’d like to end this article talking about some photographic stereotypes that — I believe — are the degeneration of the art of taking photos.

The painting above by Caspar David Friedrich inspired millions of photographers or wannabe photographers. Men and women that think that having a camera means being photographers. As if the tool and its use made the user familiar with what that tool is meant to do.

Photographing is an attitude, an inclination, an expression of a vision of the world. It is not a magic art borrowed from an instrument. The camera does not make the photographer. The photographer uses the camera as a tool.

Understandably inspired by such a perfect and enigmatic painting, many thought that the easiest way to do art was to imitate it. If that picture gives some emotions it is because it poses a subject in front of an extraordinary landscape that is metaphorical of life: the beauty covered by the clouds. Joy and pain, clarity and confusion, vision and confusion. Life, in short.

But emotions have this peculiarity: they are powerful when they impact, but they lose their strength the more the movement with which they sway is repetitive. The millionth appearance of emotion is more banal than normal because it is expected and well anticipated. “Cloudscape and meditating man looking at it. Already seen”.

Instagram, social networks and digital machines have only amplified and made this feeling soothing: they persuaded many people that taking a photograph was just to repeat a working and catchy pattern. But as the best pop song or the best pizza in the world, listening to it or feeding with it in the end generates nausea and refusal.
And the photographic stereotypes are multiple and repetitive, of course: they hang around in clusters and bands. Thousands of photos, already seen, repeated over and over again. The background changes but the death of fantasy remains the same.

Orwell said that the repetition of metaphors, especially in journalism, was the death of language. Repeating without re-inventing means to give up the sense of the metaphor that is to “bring out”. In other words, to explain a concept using highly evocative and more comprehensible images. Repetition undermines this evocative power, as the repetition of stereotypes undermines photography, which is more direct than a metaphor being a metaphor in existence, already a finished image in itself.

There is a particular emotional alignment that arises when an image represents a certain moment, which is also a mood got by the photographer. It is an intimate mechanism that is only activated when seen for the first time because it evokes a particular emotion, a memory. When it remembers a memory that is the recall of an image already seen it only generates a recognition and a weak re-affliction of an emotion.

Inevery already seen image there is a double betrayal: that of the original image and that of the creative idea. The first image — the one copied and declined in a thousand variants that are always recognizable and tedious until exhaustion — remains a memory; the creative idea no longer emerges, because there is no creation. There is a cautious trust in the already seen. It worked once, then it will work again.

No.

Commercially, yes. But it’s no longer photography. It is an image, it is a functional object or an expression of stereotypes. It does not like the anarchist variations of art: it’s just a monument to the security of the already seen.
The photographer who puts himself and the subject in a car and does not look at that subject — human, animal or natural — but instead looks at a mental image and reassembles it according to a type already seen does not look at the reality and does not interpret and rewrites it creating a new object in the end. He’s just looking inside his own visual memory.

Every photo already seen, every already seen composition of the frame, each element arranged in that frame just like a thousand other times is a betrayal of photography.

Technically it is a photograph. But the technique describes a support and not the art that is supposed to be in it.

 

 

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Comentarios

  • Excelente

  • Very very good

  • Buenísimo Enhorabuena

  • Perfect*****

  • How well you explain brother

    Excellent

  • Master lesson

  • Thank you teacher, it is for everyone regardless of the official recipient

  • It is a shame, because it seems to me that those who should read this well-known exposition may ignore it and not read it, but anyway, they miss it.

  • To put a frame on it

  • Bedside table manual. It should be mandatory reading, perhaps some if they read it would stop calling themselves photographers.

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